IMMAGINE NEL DESIGN - un'idea emotiva e sensoriale dello scopo, del significato, della qualità e dell'originalità di un'opera d'arte di design, una categoria di valutazione estetica dei risultati della creatività progettuale.

Il design nel design differisce significativamente da un concetto simile in altre forme d'arte, poiché il design, da un lato, è molto più strettamente legato al contenuto pragmatico dei risultati delle sue attività e, dall'altro, non pretende esteriormente realizzare gli obiettivi spirituali della creatività artistica. Tuttavia, l'espressività e il significato dell'espressione artistica per una serie di ragioni la elevano al rango di fenomeni culturali concettualmente significativi.

Il sistema visivo della casa è chiaramente diviso in tre gruppi, che riflettono la natura della loro presentazione allo spettatore:

Colorografico (simile nei mezzi alla pittura e al disegno nelle belle arti);

Volumetrico-plastico (simile alla creatività scultorea);

Spaziale: riprodurre le possibilità dell'organizzazione architettonica del nostro ambiente.

Secondo la complicazione della tavolozza dei mezzi di ogni tipo successivo di disegno, aumenta il potenziale della sua percezione figurativa.

Ma indipendentemente dal metodo di presentazione, tutte le immagini dei designer hanno una duplice origine:

Fornire al consumatore informazioni sulla natura dei processi domestici o lavorativi per i quali i suoi "vettori" sono adatti;

Hanno proprietà visive indipendenti (luminosità, plasticità, struttura compositiva, ecc.), che lo spettatore percepisce come un segno estetico indipendente, una “struttura pittorica” che vive una vita indipendente dalla funzione.

Le peculiarità della percezione (consumo) determinano in gran parte le proprietà specifiche del cibo nel cibo, tra cui:

La colorazione funzionale di una specifica soluzione figurativa, che indica attraverso i compiti utilitaristici del consumo il suo ruolo nello stile di vita di una determinata persona o segmento della società;

Il riconoscimento universale delle caratteristiche figurative, causato, da un lato, dal desiderio di originalità e memorabilità delle loro soluzioni, dall'altro, dalla loro circolazione di massa, che introduce letteralmente tutti i settori della società ai corrispondenti prototipi visivi ( Mobili Thonet, design “scandinavo”, ecc.);

La proprietà delle proposte figurative più sorprendenti nel design di una specifica personalità creativa, che si rivela attraverso le caratteristiche individuali dello "stile aziendale" dell'autore o altre caratteristiche inerenti alle opere di un particolare maestro o comunità di design (stile "Brown" , opere di E. Sottsass, F. Hundertwasser ecc.);

Cambiamento continuo delle caratteristiche visive private - la dinamica delle opzioni decorative, i principi delle soluzioni tecnologiche - con la stabilità della comprensione di base dei compiti funzionali di questo tipo di lavoro di progettazione (ad esempio, l'evoluzione delle forme degli elettrodomestici: rasoi, stufe, ecc.);

Cattiveria fondamentale, luminosità delle soluzioni formali, volte ad attirare l'attenzione del consumatore, “pubblicità” del proprio aspetto, associata alla natura commerciale della distribuzione delle opere d'arte di design nella società.

In effetti, l'intera varietà di variazioni artistiche della pittura nella pittura può essere divisa in due flussi:

Opere ordinarie, di regola, anonime, che interpretano l'estetica di un oggetto di design in modo approssimativo, a livello di un'immagine collettiva “generica” (produzione di massa che ha una forma “standard” armoniosa, ma manca di orientamento verso una visione individuale di questo tipo);

Prodotti, complessi e insiemi sono “iconici”, definendo la linea di sviluppo di una particolare area del design, avvicinandosi al sentimento personale delle caratteristiche figurative, alla loro interpretazione individuale sia da parte dell'autore che del consumatore.

Queste e molte altre caratteristiche delle soluzioni figurative (esistenza a breve termine ed effimera della maggior parte degli oggetti grafici, packaging, metodi dinamici di illuminazione dell'ambiente urbano, cambiamento della moda nell'abbigliamento, ecc.) rendono la categoria del design artistico un fenomeno completamente indipendente nel teoria generale dell'arte, che richiede lo sviluppo della propria ricerca e del proprio apparato concettuale (confrontare, ad esempio, le categorie di "immagine artistica" nell'estetica tradizionale e "tipo di immagine artistica" nel design).

Lavorare con un'immagine nel design ha una varietà di soluzioni sia nella grafica che nei materiali. Inoltre, la grafica può essere creata dall'uomo o da qualsiasi altra cosa (compresa la fotografia, la tipografia, la computer grafica, ecc.). Quando si sceglie un materiale, il progettista è guidato dal concetto di design. Pertanto, sono applicabili sia soluzioni tradizionali che soluzioni di ricerca innovative.

Segni e sistemi di segnaletica. Requisiti per la struttura dell'organizzazione del segno. Tipi di forme grafiche dei segni.

Il concetto di sistema di segni si riferisce solo alle forme grafiche dei segni e non influisce sull'area del funzionamento dell'informazione segnica di altre classi di sistemi artificiali. In teoria il segno veniva considerato dal punto di vista della struttura formale della sua organizzazione interna come relazione: mezzo grafico - contenuto semantico. A seconda della natura di questo rapporto, i segni venivano divisi in tre tipologie: segni iconici, segni indice (divisi anche in geometrici e scultorei) e segni simbolici (qualsiasi segno può avere caratteristiche: statico, dinamico, ecc.). In pratica, le questioni principali dell'organizzazione formale, principalmente le prime due, vengono risolte, poiché i segni-simboli sono progettati in modo diverso (a causa della loro complessità di contenuto e delle specificità dei metodi di progettazione per la loro formazione).

La scienza della SEMIOTICA studia i segni e i sistemi di segni.

Affinché un'immagine corrisponda fedelmente al concetto di iconicità, la struttura della sua organizzazione deve rispettare rigorosamente quattro requisiti fondamentali: autonomia, distintività, memorabilità e attività visiva. Se questi requisiti vengono descritti nel linguaggio della composizione formale, otterremo le seguenti caratteristiche.

Autonomia come la demarcazione, l'indipendenza, la completa indipendenza e l'isolamento visivo dall'ambiente esterno e da ogni sorta di influenze estranee presuppongono la chiusura compositiva della struttura grafica del segno, il “piegamento” delle linee elettriche nello spazio interno dell'immagine, che è caratteristico del principio installativo di organizzazione compositiva con un elemento dominante. La proprietà di autonomia di un segno garantisce la costanza della sua percezione, indipendentemente dall'ambiente in cui può trovarsi. Ciò si riferisce sia all'ambiente fisico che a quello semantico.

La proprietà di autonomia di un segno deve essere integrata da una proprietà non meno essenziale per la sua struttura e il suo funzionamento visivo carattere distintivo, che lo distingue dagli altri segni e non dà la possibilità di “perdersi”, “dissolversi” nella loro totalità. Questa proprietà è assicurata grazie all'individualizzazione interna della struttura della struttura grafica del segno, dotandolo di caratteristiche distintive che lo distinguono da una serie di forme di segno simili.

Proprietà memorabilità caratterizza la forma di organizzazione della struttura grafica del segno, la chiarezza e la chiarezza della sua costruzione grazie all'estrema generalità, ordine e integrità dell'organizzazione compositiva del materiale visivo, concisione e complessità ottimale dei suoi elementi costitutivi.

Attività visiva la forma del segno presuppone la subordinazione della sua struttura alle leggi e ai principi della percezione emotiva e sensoriale umana, una reazione intensificata ad essa come stimolo pieno di energia, una sorta di segnale per il lavoro intensivo dell'apparato sensoriale. La proprietà dell'attività visiva di un segno si realizza durante la sua formazione utilizzando l'arsenale di espressività compositiva formale già familiare agli studenti da incarichi precedenti.

La specificità qualitativa di una forma di segno è la relazione del segno con altre forme di immagine, le sue differenze specifiche - questo segno in relazione ad altre strutture di segno, le caratteristiche della struttura individuale - l'integrità della morfologia interna del segno e la produttività del funzionamento - l'attività della percezione visiva).

25. Segno iconico, segno indice e segno simbolo. Caratteristiche e formazione dei segni. Grafica e carattere nel segno.

SEGNO ICONICO I segni iconici sono caratterizzati da tale rapporto tra il mezzo grafico e il contenuto semantico quando se ne osserva la completa coincidenza. In altre parole, la struttura grafica di un segno iconico contiene e trasmette il proprio contenuto semantico, e quindi, al momento della percezione, non è necessaria alcuna ricodificazione speciale del messaggio informativo veicolato dal segno. Il mezzo grafico dei segni iconici è sempre costruito sui principi della figuratività e sul fatto che i termini “iconico” e “pittorico” stessi, nel loro significato, indicano due lati indissolubilmente legati del segno: essere un'immagine come modello grafico di qualcosa (iconicità) e di essere uguale, identico, simile a (iso-) visualizzato, cioè figuratività come somiglianza nell'immagine della percezione. Da qui una caratteristica così essenziale dei segni iconici come il loro alto grado isomorfismo(simile nella forma) a quello visualizzato.

Allo stesso tempo, ciò non significa che il segno iconico, nella sua capacità informativa, tenda a completare l’isomorfismo con quello visualizzato, come si osserva, ad esempio, nelle fotografie documentarie. Il mezzo grafico di un segno iconico, pur conservando una certa isomorfia con l'oggetto esposto, non ne è una copia completa. Rappresenta un modello significativamente trasformato di un oggetto, che evidenzia, rivela e rappresenta figurativamente un aspetto speciale del contenuto semantico di un dato oggetto. A questo proposito, nella formazione di un segno iconico, è sempre acuto il problema di stabilire una corrispondenza armonica tra la forma di organizzazione del mezzo grafico, il contenuto semantico e la ridondanza informativa iniziale dell'oggetto visualizzato.

I segni iconici e gli indici sono le principali tipologie di segni grafici in generale. In un segno di indice, la struttura grafica del supporto non è in alcun modo correlata al contenuto semantico che trasmette, vale a dire Non solo non esiste alcuna somiglianza tra loro, ma nemmeno alcuna forma di dipendenza. La loro relazione è stabilita esclusivamente da mezzi artificiali esterni. Di norma, è stabilito sulla base di un contratto collettivo dei soggetti del processo comunicativo, è convenzionalmente stabilito “con la forza”, mediante un atto di volontà. Analoghi diretti dei segni di indice sono le lettere dell'alfabeto di qualsiasi lingua moderna.

Poiché il segno indice per sua natura porta con sé un contenuto semantico che non appartiene alla sua stessa struttura grafica, alla sua formazione vengono imposti requisiti particolarmente stringenti. Si tratta innanzitutto della “purezza” formale-compositiva della struttura della struttura grafica del segno, nella quale non dovrebbero esserci nemmeno i minimi segni che possano provocare associazioni oggettive quando viene percepito. Ciò implicherebbe immediatamente una distorsione (fino alla completa sostituzione) del suo contenuto semantico convenzionalmente stabilito. Pertanto, la formazione della struttura grafica di un segno indice è soggetta esclusivamente alle leggi della composizione formale e a quei quattro requisiti che fungono da fattori sistematici nella costruzione della forma del segno nel suo insieme.

La costruzione di un segno indice inizia con la ricerca di un diagramma strutturale di base che svolga il ruolo di “quadro” morfologico della futura forma del segno. In questa fase del lavoro, il ruolo principale è svolto dai requisiti di distinguibilità e memorabilità, che dovrebbero garantire la proporzionalità degli elementi della struttura interna del segno indice. Ulteriori lavori sono in corso nella direzione di riempire la struttura interna del segno con proprietà e segni di autonomia e attività visiva. Pertanto, il supporto grafico del segno indice viene costantemente eseguito come un'incarnazione compositiva formale della misura dell'iconicità in quanto tale, specificata in modo significativo sotto forma di quattro requisiti per le sue caratteristiche visive.

I segnali indice hanno due tipi principali di plastica: geometrico E scultoreo.

Un altro compito creativo è trasferire le proprietà figurative dominanti di ciascun carattere al gruppo di caratteri. Il compito principale è dotare ciascun elemento del gruppo di caratteri di una caratteristica figurativa corrispondente allo stile grafico dei caratteri generati. Il trasferimento della proprietà dominante di un segno agli elementi di un gruppo di caratteri (cioè lettere) richiede di tenere conto delle specificità della loro stessa costruzione strutturale, che stabilisce il criterio per stabilire la misura di tutte le loro possibili trasformazioni. Tale misura si stabilisce nel rapporto tra il grado di riconoscimento (cioè di conservazione) del principio di costruzione strutturale di un segno letterale e la caratteristica figurativa introdotta.

Segni-simboli stabilire una connessione complessa e ambigua con l'oggetto simbolizzato. La lettura di segni di questo tipo dipende talmente dal loro contesto che non possono essere considerati al di fuori del loro ambiente semantico. Il simbolo è inseparabile dalla sua struttura figurativa e si distingue per l'inesauribile ambiguità del suo contenuto.

Sebbene la parola “simbolo” derivi dal greco “segno” (symbolon), “segno identificativo”, il significato attribuito oggi a questo concetto è molto più complesso. Una corretta comprensione di un segno-simbolo richiede l'immersione della coscienza percepente nel contesto della cultura che lo ha generato. La capacità di percepire adeguatamente i messaggi composti in linguaggio simbolico presuppone l'esistenza di una convenzione (accordo) all'interno della cultura riguardo al loro significato. Ma a differenza dei segni indice, il cui utilizzo, quando il significato è vago, perde significato, i simboli sono dotati di tutta l'organicità e l'inesauribilità delle immagini artistiche.

Non tutti i segni possono diventare un simbolo. Il linguista del XIX secolo Ferdinand de Saussure ha offerto il seguente esempio: la bilancia è un segno che contiene l'idea di equilibrio, ma il carro no, quindi la bilancia può essere un simbolo di giustizia, ma il carro no.

L'esperienza culturale di ciascuna regione sviluppa un approccio intuitivo all'interpretazione dei simboli che sono per essa significativi.

Uno degli esempi più evidenti: il nero nella cultura europea è il colore del lutto, le “azioni sporche” sono cattive azioni, ecc. Ma nella tradizione cinese, il colore del dolore e del lutto è il bianco, che nelle nostre solite idee ha il significato di purezza e innocenza, questo è il colore di un abito da sposa.

L'unità dell'insieme fondamentale dei simboli dominanti determina i confini nazionali e territoriali di una cultura.

I simboli non appartengono ad una sezione storica specifica, ma permeano verticalmente questa sezione dal passato al futuro. In epoche diverse il simbolo è realizzato in varianti, ma esso stesso è invariante e riconoscibile in ogni momento. Attraverso i simboli si realizza il meccanismo di unità e continuità della cultura. Per simbolo si intende un segno che denota un'area di significato così vasta che il suo utilizzo comprende un certo registro culturale-semantico, un'ampia area culturale-semantica. Il significato di un simbolo oscilla tra il significato simbolico reale e quello attuale. Non denota un contenuto specifico, ma indica un campo semantico, una certa tradizione culturale, un'area di memoria comune. I simboli sono segnali di memoria condivisa.

I simboli differiscono:

SU semplice- forme geometriche elementari di carattere grafico; opposizioni cromatiche di base;

complesso- immagini composte da forme graficamente complesse.

I simboli semplici hanno una natura profondamente arcaica, sebbene conservino sempre la loro attività culturale. Hanno un contenuto complesso, sfaccettato e multivalore. Quanto più universale è l'immagine creata, tanto più vicini sono i simboli semplici e le loro combinazioni.

Il famoso scienziato e pensatore religioso padre Pavel Florensky identificò diciotto simboli elementari: punto, linea verticale, linea inclinata, linea orizzontale, la loro intersezione, angolo, triangolo, quadrilatero, croce, pentagono, esagono, ettagono, ottagono, cerchio (cerchio), disco (superficie del cerchio), sfera, uovo, valuta.

I simboli complessi hanno un significato più definito, fisso e unifilare. Quanto più privata e locale è l'immagine creata, tanto più vicini sono i simboli complessi ("corona d'alloro", "Cavaliere di bronzo", ecc.). I simboli dei segni includono anche:

SEGNALI-SIMBOLI DI CURA

(rispetto delle regole nell'utilizzo di determinati prodotti non alimentari) compresi i simboli internazionali.

SEGNALI DI MOVIMENTAZIONE (immagini che indicano come movimentare il carico).

Simboli astrali utilizzati nei segni, ecc.

UDC 111.08:7.042.2 Lazutina Tatyana Vladimirovna

Dottore in Filosofia, Professore del Dipartimento di Studi Umanistici, Università statale del petrolio e del gas di Tyumen

SIMBOLI DEL COLORE NEL LINGUAGGIO DEL DESIGN

Annotazione:

Il problema centrale dell'articolo è la considerazione del linguaggio del design come fenomeno socioculturale, che rende necessaria la necessità di identificare la natura specifica del linguaggio del design, inteso come un linguaggio artificiale, saturo di varie formazioni segniche. È stato dimostrato che segnali, segni e i loro sistemi, simboli riempiono il campo semantico del linguaggio del design. Viene esplorato il simbolismo del colore utilizzato nella creatività del design. È dimostrato che la natura simbolica del linguaggio del design realizza la possibilità di polifonizzare l'immagine artistica dell'arte del design, intesa come categoria universale della creatività artistica e considerata come un modo e un risultato della riproduzione delle realtà della vita nell'arte.

Parole chiave:

design, linguaggio del design, colore, arte, simbolismo, simbolizzazione, cultura.

Lazutina Tatiana Vladimirovna

D. Phil. in Filosofia, Professore, Dipartimento di Arti Liberali, Università statale del petrolio e del gas di Tyumen

SIMBOLISMO DEI COLORI NEL LINGUAGGIO DEL DESIGN

L'articolo si concentra sulla considerazione del linguaggio del design come fenomeno socioculturale, che determina lo studio della natura specifica del linguaggio del design interpretato come un linguaggio artificiale pieno di varie famiglie di segni. È dimostrato che i segnali, i segni e i loro sistemi, i simboli riempiono un campo semantico del linguaggio del design. Viene indagato il simbolismo del colore utilizzato nei lavori di design. È dimostrato che la natura simbolica del linguaggio del design soddisfa la possibilità di portare contenuti multidimensionali all'immagine artistica dell'arte del design intesa come categoria generale della creatività artistica e come modo e risultato della riproduzione della vita nell'arte.

design, linguaggio del design, colore, arte, simbolismo, simbolizzazione, cultura.

Il simbolismo del linguaggio del design dà origine a una molteplicità di letture dei significati dell'arte del design, volte ad armonizzare principi estetici e utilitaristici, che suscita l'interesse di un'ampia gamma di ricercatori della filosofia del design moderno. Il problema dello studio del design e del suo linguaggio richiede una riflessione, poiché il design, attraverso un sistema di immagini saturo di vari simboli, in particolare simboli di colore, influenza attivamente la formazione degli atteggiamenti ideologici di una persona (società), non solo riflettendo i cambiamenti in corso in la sfera socioculturale, ma anche coltivando il gusto artistico e plasmando il mondo degli orientamenti valoriali.

Al giorno d'oggi, la ricerca delle specificità degli strumenti del linguaggio di progettazione è al centro dell'interesse dei ricercatori nazionali (E.G. Berdichevsky, N.P. Beschastnov, M.S. Kukhta, R.M. Lobatskaya, V.A. Lyashenko, M. V. Pankin, G.I. Petrova), utilizzando vari metodi per studiare e ulteriormente sostanziare i meccanismi di creazione del simbolo: un modo dialettico di considerare il linguaggio del design nell'unità e nella diversità delle sue proprietà; un metodo storico comparativo che ci consente di identificare la relazione tra dinamica e statica nel suo sviluppo, determinata dal cambiamento delle tecniche stilistiche di una particolare epoca storica che si verifica nella creatività progettuale.

L'uso di un approccio semiotico in relazione ai mezzi linguistici del design sembra promettente, poiché ci consente di considerare il design come uno speciale linguaggio artificiale in cui esistono sistemi di segni (simboli).

L'obiettivo principale di questo articolo è identificare la natura specifica del linguaggio del design, che solleva la necessità di analizzare il mondo dei simboli utilizzati nelle attività di progettazione.

Di particolare interesse per lo studio è la simbolizzazione del colore, intesa come il processo di assegnazione di un significato figurativo ai fenomeni cromatici che funzionano nella creatività progettuale. Va notato che il colore ha un significato aggiuntivo solo nel contesto di una determinata situazione simbolica. Inoltre, maggiore è la cultura della percezione e il grado di educazione del soggetto della creatività progettuale, maggiori sono i significati che “acquisisce” l’immagine del designer.

SCIENZE CULTURALI

Il design come attività speciale per la produzione di oggetti culturali mira a combinare opportunità pratica ed estetica. Nel processo del suo sviluppo storico, il design forma un sistema di mezzi artistici, ai quali, nel processo del loro funzionamento, viene assegnato un significato simbolico, cioè il design diventa un linguaggio speciale, i cui elementi sono un punto, una linea , spot, forma e altri mezzi di espressione.

Pertanto, il linguaggio del design è un sistema di mezzi artistici che si è sviluppato nel processo di sviluppo storico del design, tra i mezzi espressivi (visivi) di cui il colore, inteso in quest'opera come una certa proprietà dei corpi di evocare una sensazione visiva in secondo la composizione spettrale della luce riflessa (emessa) da essi, ha le seguenti caratteristiche: tonalità di colore, cioè diverse tonalità di colore; la saturazione, ovvero il grado di luminosità di un colore; leggerezza - la capacità riflettente di una superficie colorata, gioca un ruolo di primo piano nella formazione delle immagini del design.

La pratica dimostra che, nonostante il fatto che la creatività del design utilizzi l'intera varietà di simbolismi creati come risultato di un lungo processo di sviluppo del mondo culturale, un'importanza speciale è attribuita al simbolismo del colore nella pratica del design.

Nel processo di identificazione delle preferenze socioculturali di una cultura, i ricercatori moderni, in particolare G.Yu. Osmankin, sottolineano che "...la sintesi di linee e colori... riflette più chiaramente il processo artistico di qualsiasi opera e determina il suo significato storico nella cultura artistica". Qual è il motivo della situazione che si è venuta a creare nella storia dell'arte in generale e delle arti e dei mestieri in particolare?

Affermiamo il fatto che vari colori erano dotati di significato simbolico nell'arte antica (Egitto, India, Cina e Grecia), personificando gli elementi naturali (fuoco, terra, acqua e aria); spesso fungendo da segno della creazione di tutte le cose; esprimere principalmente le migliori qualità umane, ad esempio attività, coraggio, innocenza, modestia; agire come segno di formazioni ideali, ad esempio verità, bontà e bellezza; personificazione della ricchezza e del potere. La ricerca moderna rileva che "i popoli antichi tentano di comprendere le leggi dell'universo, di trovare un posto organizzativo nel mondo", e in questo sono aiutati da un sistema di colori, dove "... i simboli diventano un mezzo che consente uno per “visualizzare” e concretizzare l’invisibile, il divino”. .

Si noti che nel mondo dell'arte del Medioevo cristiano e del successivo Rinascimento ribelle, a seguito di un cambiamento nel paradigma artistico, il colore era considerato come una manifestazione della luce metafisica, che è incarnata nella natura, che influenza la continua formazione di i canoni cromatici dell’arte.

La comprensione teorica del colore avviene più profondamente nella filosofia della New Age nelle opere di F. Bacon, J. Locke, T. Hobbes, J. Berkeley, D. Hume, che si manifesterà nell'ulteriore sviluppo della metodologia di progettazione .

I secoli XIX e XX furono caratterizzati da esperimenti di artisti e designer nel campo della percezione del colore, che si rifletterono nello sviluppo della metodologia della creatività artistica.

Al giorno d'oggi, l'interesse per il simbolismo del colore sta crescendo a causa della crescente attenzione ai problemi semiotici dei fenomeni linguistici. La semiotica come scienza dei segni e dei loro sistemi mostra sempre più interesse per i fenomeni della creatività artistica, e si intensifica anche il lavoro sulla compilazione di dizionari speciali di segni e simboli usati nella scienza e nell'arte.

Lo studio condotto sul design e sul suo linguaggio indica che il processo di simbolizzazione nella creatività progettuale è finalizzato a combinare il canone, manifestato nell'uso di tecniche artistiche specifiche per costruire una composizione, in particolare il simbolismo del colore, preservando le tradizioni culturali e il processo di modernizzazione, offrendo i metodi più recenti di lavorazione del materiale della composizione artistica. Ma va ricordato che l'idea di base nella creazione di opere di creatività progettuale è la trinità di bellezza, utilità e necessità, che riflette la lotta inconciliabile tra “vecchio” e “nuovo” nell'arte moderna, combinando le tecniche di innovazione e innovazione. La dinamica dei cambiamenti nel linguaggio del design testimonia la ricostituzione del sistema dei suoi elementi espressivi, ma la lealtà dell’artista-designer al principio del simbolismo rimane incrollabile.

Pertanto, il linguaggio del design è un fenomeno culturale; rappresenta il prodotto dell'attività simbolica delle persone. Le immagini artistiche create attraverso il linguaggio del design contengono un mondo speciale di segni e simboli. Nel linguaggio del design esiste un sistema sviluppato di formazioni simboliche, in cui il simbolismo del colore gioca un ruolo speciale nel dare forma al significato della creatività progettuale. Il simbolismo del colore riflette il cambiamento delle linee guida ideologiche di una particolare epoca storica, modificando il sistema di progettazione figurativa.

1. Vedi: Berdichevskij E.G. Design innovativo di gioielli // Design. Materiali. Tecnologia. 2013. N. 13. P. 1-10; Beschastnov N.P. Il linguaggio artistico dell'ornamento. M., 2010. 335 pag. ; Kukhta M.S., Pustozerova O.L. L'influenza del design di gioielli in stile etnico sulla scelta dei materiali e delle tecnologie // Design. Materiali. Tecnologia. 2013. N. 12. P. 1-8; Lobatskaya R.M., Sorokina V.E., Generalchenko P.S. Nuove soluzioni progettuali per la creazione di gioielli // Ibid. 2012. N. 12. P. 9-30; Lyashenko V.A. Il design come fenomeno socioculturale // Bollettino dell'OSU. 2008. N. 9 (91). pp. 21-25; Pankina M.V. Evoluzione dei principi di progettazione: analisi culturale // Bollettino dell'Accademia statale di cultura e arte di Chelyabinsk. 2014. N. 2 (38). pp. 50-55.

2. Osmankina G.Yu. Il canone delle belle arti egiziane come sinecologia della cultura // Bollettino scientifico di Omsk. 2009. N. 4 (79). pp. 223-226.

3.Shalimova L.A. Categorie socioculturali del simbolismo del colore // Mondo della scienza, della cultura, dell'istruzione. 2015. N. 1 (50). pp. 385-388.

4. Ibidem. P.386.

5. Kim V.V. Semiotica e conoscenza scientifica: analisi filosofica e metodologica. Ekaterinburg, 2008. 416 pag.

6. Bransky V.P. Arte e filosofia: Il ruolo della filosofia nella formazione e nella percezione di un'opera d'arte utilizzando l'esempio della storia della pittura. Kaliningrad, 1999. 704 pag.

7. Vedi: Sheinina E.Ya. Enciclopedia dei simboli. Charkov, 2001; Foley D. Enciclopedia di segni e simboli. M., 1997; Enciclopedia dei simboli / comp. V.M. Roshal. M., 2005; Enciclopedia dei simboli, dei segni, degli emblemi / comp. V. Andreeva. M., 2000.

Lezione 1: Sentimenti. Come il design influenza i sentimenti umani. Perché un designer pensa prima di tutto alle sensazioni dell'utente? (39:26)

Lezione 2: Caos strutturale. Come il design è diventato uno strumento di ordine in un mondo di caos. Percezione delle strutture, impressione del caos. Perché il designer progetta modelli che indicano che l'oggetto appartiene all'ordine, alla logica e, quindi, è ragionevole e vicino. (42:44)

Lezione 3: Funzione. L'adattamento all'ambiente, il comfort del lavoro e l'efficienza dei risultati sono i criteri principali di una buona progettazione. Il progettista pensa a come funzionerà il progetto. Spesso è la funzionalità a determinare l'aspetto e il fascino di un prodotto. (46:59)

Lezione 4: Identità. Il modo in cui il design crea connessioni, come unisce vari oggetti tra loro, forma un'identità percettiva, così popolare nel marketing e nel branding. Il designer crea regole, modi per organizzare sistemi di identificazione, unità di stile, integrità degli attributi visivi. (39:32)

Lezione 5: Nascosto. Cosa nasconde il design? Quali processi e decisioni rimangono al di là dell’attenzione dei consumatori. Come guardare un progetto, notando i dettagli che distinguono l'artigianato dall'artigianato. (1:08:22)

Lezione 6. Esercizi. (20:01)

Un logo è molto più che semplici parole, un'icona, un colore. Un buon logo racconta la storia della tua azienda: chi sei, cosa fai e cosa rappresenti.

Creare un logo non è un compito facile: sono molte le sfumature di cui bisogna tenere conto quando lo si sviluppa. Fortunatamente, non devi farlo da solo. Con l'aiuto di queste istruzioni passo passo, puoi farlo facilmente e semplicemente. Ma basta parole, cominciamo!

Cos’è un logo e a cosa serve?

Ma prima di passare direttamente ai consigli, vorremmo consigliarvi un servizio online di Turbologo , che può creare un logo per tutti voi in pochi minuti. Inserisci semplicemente il nome della tua azienda e il sito creerà alcuni loghi per te!
Ora passiamo all'articolo :)

Ogni giorno ci imbattiamo costantemente nei loghi.

Ad esempio, il residente medio negli Stati Uniti vede 16.000 pubblicità, loghi ed etichette al giorno. Se ti guardi intorno, probabilmente noterai anche diverse dozzine di loghi intorno a te.

Perché ce ne sono così tanti e perché molte aziende spendono migliaia, centinaia o addirittura milioni di dollari per creare questo piccolo elemento?

Cosa intendiamo innanzitutto con la parola “logo”?

Un logo è un simbolo o emblema utilizzato
per identificare i servizi, i prodotti e l’azienda stessa.

Come scegliere un colore per un logo?

Colore, colore e ancora colore! È il primo punto di contatto e l'elemento più memorabile, afferma Leslie Harrington, direttore esecutivo di The Color Association.

Comprendere come il colore influenza la percezione umana è importante quando si crea un logo di qualità, afferma Martin Christie di Logo Design London.

Il colore può aiutarti a migliorare i sentimenti giusti e a creare una forte connessione emotiva. Utilizza l'infografica (di grandi dimensioni) per scegliere il colore che desideri per il tuo logo.

Come scegliere il colore giusto del logo?

Per rispondere a questa domanda è necessario porsi 3 domande:

Quale colore evidenzia la personalità del tuo marchio?
Quali colori caratterizzano i tuoi prodotti/servizi?
Che colore usa il tuo concorrente?

I colori non sono legati ad alcun settore specifico, ma alcuni colori sono più adatti ad alcuni servizi/prodotti rispetto ad altri.
Dovresti mirare a scegliere un colore che metta in risalto la personalità della tua azienda. Il colore dovrebbe fare la giusta impressione sui clienti che vedono il tuo logo per la prima volta.

Cosa fare una volta individuati i colori della concorrenza?

Un'opzione è utilizzare un colore opposto al colore del logo del principale concorrente. Questo ti aiuterà a distinguerti. Ma vale la pena considerare i colori del tuo settore in modo che il colore opposto corrisponda al settore. Ad esempio, il colore rosa del logo di una banca o di uno studio legale sembra inappropriato e ridicolo.

Considera le caratteristiche del colore nelle diverse culture. Ad esempio, nel mondo occidentale, il bianco è considerato il colore della purezza e della pace, e in alcuni paesi asiatici è il colore della morte.

Un colore o più?

Per trasmettere il più possibile i sentimenti e le emozioni desiderati, durante la creazione di un logo viene solitamente utilizzato un colore. Tuttavia, ci sono molti loghi di successo con più colori: Google, eBay.

Pertanto, puoi tranquillamente utilizzare uno o più colori. L'importante è che si combinino! Ma, ovviamente, non dovresti esagerare e utilizzare un gran numero di colori.

Consiglio di scegliere due colori primari. Ciò rende più semplice per il tuo marchio comunicare con i tuoi clienti. Molte aziende, dalle squadre sportive alle aziende, utilizzano da molti anni solo due colori.

–Pamela Wilson.

Come scegliere diversi colori per un logo?

Il modo più semplice per scegliere i colori giusti per il tuo logo è utilizzare combinazioni di colori.
Esistono molti servizi online per trovare fantastiche combinazioni di colori. Ne puoi trovare diversi in questo.

Ad esempio, Adobe Kuler o il servizio Colorscheme in lingua russa.

I designer usano spesso la formula 60-30-10. Consiste nello scegliere 3 colori diversi e utilizzarli in una proporzione del 60%, 30% e 10%. Questa regola fornisce un modo semplice per creare una combinazione di colori professionale per il tuo marchio.

– Jared Christofferson, Yellowhammer

Dove puoi trovare ispirazione per il logo?

Spesso è molto difficile fare il primo passo quando si ha a che fare con qualcosa di sconosciuto. Ad esempio, con la creazione di loghi. Puoi trascorrere un giorno, o anche una settimana, pensando e realizzando disegni di loghi, il che è molto estenuante.

Fortunatamente, esiste un buon modo per liberarsi dallo stupore il più rapidamente possibile e rendere meno doloroso il primo passo. Ad esempio, trai ispirazione da altri loghi e lavori di designer.
Per questo abbiamo selezionato 10 migliori siti, dove puoi trovare idee per il tuo logo.

Stagno del logo

Logo Alce

La community di questo sito ha raccolto i migliori loghi di designer di loghi professionisti provenienti da tutto il mondo.

Logofi è stato creato per ispirare designer e altri creativi. Su questo sito puoi vedere il lavoro non solo di designer professionisti, ma anche di visitatori ordinari che hanno caricato il loro logo.

Loghi Gala

LogoGala è una delle risorse più eccezionali per trovare ispirazione. Sul sito web è possibile selezionare un filtro del logo per colore.

Logospire è una galleria di loghi. Ma la differenza principale tra questo sito e gli altri è che puoi vedere i loghi dei migliori designer. Il sito ha un sistema di valutazione e ogni mese viene compilato un elenco dei migliori loghi.

Eroi del logo

Ecco i migliori loghi su Internet.

Logo Furia

Un'altra galleria di loghi, che viene regolarmente aggiornata con nuovi lavori. Il sito ha una comoda ricerca per tag, quindi trovare un logo sull'argomento desiderato è molto conveniente.

I preferiti del logo

Uno dei siti più popolari. Il sito contiene loghi di molti designer famosi. C'è una ricerca di tag per trovare il logo che ti serve.

Errori durante la creazione di un logo

Per creare un logo davvero buono, devi evitare alcuni errori.
Di seguito abbiamo raccolto i più popolari.

Errore 1: utilizzare una bitmap

Si sconsiglia l'uso di immagini raster nei loghi perché potrebbe causare problemi nella riproduzione del logo. Se ingrandisci troppo un'immagine bitmap, apparirà affiancata, rendendola inutilizzabile.

Pertanto, la pratica standard quando si sviluppa un logo è utilizzare programmi che funzionano con la grafica vettoriale: Adobe Illustrator o Corel Draw. La grafica vettoriale è composta da punti calcolati con precisione matematica, garantendo un'esperienza visiva coerente indipendentemente dalle dimensioni dell'immagine.

Di base vantaggi dell'utilizzo del vettore grafica durante lo sviluppo del design di un logo:

1. Il logo può essere ridimensionato a qualsiasi dimensione senza perdita di qualità.
2. La successiva modifica del logo è notevolmente facilitata.
3. Un'immagine vettoriale è più facile da adattare ad altri media rispetto a un'immagine raster.

Errore 2: seguire le tendenze

Le tendenze vanno e vengono. Alla fine diventano cliché. Un logo ben progettato dovrebbe essere durevole. Ciò può essere ottenuto se non si fa affidamento su trucchi e tecniche nuovi.

Per creare un'identità unica per la tua azienda, è meglio ignorare completamente le tendenze del logo.

Logo Online Pro ha un'enorme sezione in cui le attuali tendenze del design del logo vengono aggiornate ogni anno. È importante essere consapevoli delle ultime mode passeggere ed evitarle a tutti i costi. – Rivista Smashing

Errore 3: eccessiva complessità

Un'immagine che contiene troppi dettagli non verrà percepita bene stampata o visualizzata in una versione più piccola.
I dettagli di un progetto complesso andranno persi e in alcuni casi sembrerà disordinato o, peggio, non verrà percepito correttamente.

Ad esempio, il modello dell'impronta digitale sul logo immaginario di Smashing può essere visto solo dopo un'ispezione molto ravvicinata. Quando si rimpicciolisce, i dettagli vengono persi.

Guarda i loghi aziendali di Nike, McDonald's e Apple. Ognuna di queste aziende ha un'immagine molto semplice che può essere facilmente riprodotta in qualsiasi dimensione.

Errore 4: dipendenza dagli effetti cromatici

Senza colore, il tuo fantastico logo può perdere la sua identità. Giusto?

NO! Questo è un errore molto comune. I designer non vedono l'ora di aggiungere alcuni dei loro colori preferiti, molti addirittura ci fanno affidamento completamente.

La scelta del colore dovrebbe essere la tua ultima decisione, quindi è meglio iniziare a progettare in bianco e nero.

Errore 5: scelta sbagliata del carattere

Quando si tratta di creare un logo, scegliere il carattere giusto è la decisione più importante che prenderai. A causa della scelta inadeguata del carattere, il logo molto spesso fallisce (il nostro esempio mostra il famigerato Comic Sans).

Scegliere il carattere perfetto per il tuo logo significa abbinare il carattere allo stile dell'immagine. Ma potrebbero esserci dei trucchi qui. Se la corrispondenza è troppo ravvicinata, l'immagine e il carattere competeranno tra loro per attirare l'attenzione dello spettatore. Se è il contrario, lo spettatore non capirà su cosa concentrarsi. La cosa principale è trovare il giusto equilibrio.
L'intero messaggio del brand risulterà piatto se il font scelto non riflette le caratteristiche dell'immagine.

Errore 6. Progettare un logo per te stesso, non per i clienti

Spesso, quando si crea un logo, si desidera utilizzare il carattere, il colore, ecc. Non farlo!

Chiediti: questo carattere e questo colore sono davvero adatti alla mia attività?

Ad esempio, quello splendido carattere tipografico moderno che ami potrebbe non essere adatto a un cliente serio come uno studio legale.

Errore 7: caos tipografico

La tipografia può creare o distruggere un logo, quindi conoscere le basi della tipografia è fondamentale. Il logo dovrebbe rimanere il più semplice possibile, ma allo stesso tempo trasmettere il messaggio desiderato. Per raggiungere questo obiettivo, è necessario considerare tutti gli aspetti tipografici del design.

Non utilizzare troppi caratteri o pesi (due è il massimo). Non utilizzare caratteri prevedibili, pretenziosi o troppo sottili. Presta molta attenzione alla crenatura, alla spaziatura e alle dimensioni. Ancora più importante, assicurati di scegliere i caratteri giusti per il progetto.

Errore 8: creare un monogramma

Uno degli errori più comuni commessi dai designer di loghi non professionisti è provare a creare un monogramma dalle lettere iniziali del nome di un'azienda (ad esempio, B&H per Bob's Hardware). Sebbene a prima vista sembri creativo, è difficile essere convincenti o trasmettere il messaggio desiderato utilizzando le iniziali dell'azienda. Puoi certamente provare, ma non fermarti qui se ci sono altre opzioni per il design del logo.

Cercate inoltre di non trasformare il nome dell'azienda in un'abbreviazione se non è diventato di uso comune e questo non corrisponde agli obiettivi prefissati.

HP, FedEx, IBM e GM non hanno iniziato con gli acronimi; lo sono diventati molti anni dopo aver guadagnato una reputazione di alta classe.

Errore 9: usare cliché visivi

Una lampadina come simbolo di un'idea, una bolla con testo - discussione, tratti - dinamismo, ecc. Queste sono le prime idee che vengono in mente durante il brainstorming, e per lo stesso motivo sono le prime ad essere abbandonate.

Come può il tuo design essere unico quando molti altri loghi hanno la stessa idea? Evita i cliché visivi e crea un'idea e un design originali.

Errore 10. Copiare, rubare o prendere in prestito un disegno

È triste doverlo dire, ma questa pratica è comune al giorno d'oggi. Un designer di logo vede un'idea che gli piace, la modifica leggermente, cambia i colori o le parole e fa sua l'idea. Non è etico, illegale, stupido e prima o poi verrai catturato.

Come creare un logo - Guida passo passo

Abbiamo già trattato quasi tutto ciò che devi sapere sulla creazione di un logo.

Ora non resta che sistemare le informazioni ricevute.

Dai un'altra occhiata a:

Passaggio 1: crea più bozze

Durante le prime fasi della progettazione del logo, potresti avere diverse idee che desideri esprimere nel logo. Non dovresti trascurarli, è meglio scriverli; forse alcuni di loro ti saranno utili durante la creazione della versione finale del logo.

Passaggio 2: disegna il design del tuo logo

Fare schizzi è un modo semplice e veloce per mettere le idee su carta dove puoi valutarle più facilmente.
Non cancellare o buttare via gli schizzi. La progettazione non è un processo lineare. Tutte le idee possono essere preziose, anche se non lo pensi subito.


Se non sai disegnare, non preoccuparti. Puoi provare a disegnare il tuo logo utilizzando gli screenshot. Vai ai siti di diversi generatori online, gallerie di icone, ecc. Prova a trovare le immagini giuste che ti piacciono e salvale. Potrai quindi utilizzarli per creare il tuo logo unico.

Passaggio 3: seleziona Strumenti per la creazione del logo

Puoi creare un logo utilizzando:

– programmi grafici – Adobe Illustrator, Inkscape, Photoshop;
– piattaforme per ordinare loghi – 99Designs:
– servizi online e designer – , Turbologo . Servizio molto utile, lo consiglio!

Se hai dimestichezza con i programmi di grafica, non esitare a usarli per creare il tuo logo.
Ma non dovresti trascurare i servizi online. Possono essere utilizzati per trovare ispirazione o testare idee.

Passaggio 4: crea un logo

Passaggio 5. Prova il logo

Hai creato un logo e hai deciso che è perfetto? Forse non è così. Sarà più efficace mostrare il logo a colleghi, amici e alcuni clienti e ottenere feedback. Fai loro alcune domande: cosa pensano del logo, gli piace? Se le risposte ti soddisfano, hai fatto tutto bene.
Tuttavia, fai attenzione alle recensioni di amici e parenti. Se non sono designer professionisti, i loro consigli potrebbero non esserti del tutto utili o addirittura essere falsi.

Passaggio 6: verifica la scalabilità del tuo logo

Controlla l'immagine del logo in diverse versioni: negli annunci sui giornali, su un biglietto da visita, sul tuo sito web. Il logo dovrebbe avere un bell'aspetto sia che venga riprodotto in un formato grande o piccolo.

Alcuni suggerimenti:
– Se il logo ha molti dettagli o linee sottili, il logo potrebbe apparire troppo complicato in piccole dimensioni.
– Se viene creato un logo per un biglietto da visita o un sito Web, di solito apparirà scomodo se di grandi dimensioni.
– Utilizza programmi di grafica come Adobe Illustrator o Inkscape, ti permettono di verificare la scalabilità del tuo logo.

Passaggio 7: crea più formati di logo

Potresti aver creato il tuo logo in un programma di grafica come Adobe Illustrator fin dall'inizio. In caso contrario è necessario trasferire il bozzetto del logo dal formato cartaceo a quello elettronico.

Alcuni suggerimenti:
– Salva il logo non solo in formato .
Quest'ultimo ti consentirà di ridimensionare facilmente il tuo logo senza perdere qualità. Se hai già un logo in formato raster, puoi convertirlo in vettoriale utilizzando vectormagic.com.
– Utilizzare il logo in formato PNG, JPEG per Internet e in PDF, EPS, SVG per la stampa.
– Salva la versione del logo in bianco e nero per stampare il logo, ad esempio, su borse, penne, articoli di cancelleria.

Passaggio 8: continua per ricevere feedback

Anche dopo aver creato un logo, devi comunque rimanere aperto al feedback. Utilizza vari strumenti come social media, commenti dei clienti, opinioni di esperti per assicurarti che il tuo logo sia perfetto.

Passaggio 9. Riprogettazione

Niente dura per sempre e un logo non fa eccezione. Se il tuo logo ha smesso di essere rilevante nel tempo, è meglio ridisegnarlo. Vale la pena apportare piccole modifiche, lasciando spazio all'idea chiave nel logo, perché difficilmente i cambiamenti radicali saranno appropriati.

Il tuo logo è davvero fantastico? [Lista di controllo]

E quindi, probabilmente hai già creato un logo. Congratulazioni!

Ma è davvero bravo? Starà benissimo in diverse dimensioni? Bene, controlliamo l'efficacia del tuo logo con la nostra checklist.
Rileggi ciascuna domanda e rispondi "sì" o "no".

1. Il logo sembra attraente per almeno tre persone
2. Il logo ha un bell'aspetto in bianco e nero
3. Il logo è riconoscibile in posizione capovolta (vista)
4. Il logo è riconoscibile se viene modificata la sua dimensione
5. Nessuna parte complicata
6. Il logo è visivamente equilibrato: l'icona, il carattere e il colore sembrano armoniosi insieme
7. Non utilizzare troppi caratteri, colori, effetti
8. Il logo è evidente tra gli altri loghi

Come abbiamo già scritto, è molto importante distinguersi dalle altre aziende, soprattutto dai concorrenti.
Raccogli i loghi dei tuoi concorrenti e posiziona il tuo da qualche parte tra loro.
È evidente? Notevole rispetto ad altri? Se sì, è tutto fantastico!

9. Il logo è adattivo

Adattabilità significa che il logo avrà un bell'aspetto su qualsiasi oggetto o superficie: una maglietta, un sito web, un segnale stradale, ecc.

10. Il logo è memorabile

Mostra il tuo logo ai tuoi amici o a chiunque altro e chiedi loro di disegnarne un'immagine in poche ore o giorni. Se riesce a disegnare in modo approssimativo e accurato il tuo logo, allora va tutto bene e il tuo logo sarà memorabile.

11. Marchio universale

L’universalità di un logo significa che viene percepito nello stesso modo da un’ampia fascia di persone. Tutte le persone sono diverse e la cosa principale è che il logo conserva un unico significato per tutti i suoi spettatori.

12. Il logo è di facile lettura

Immagina che il tuo logo sia posizionato su uno striscione e che tu stia guidando un'auto a una velocità di 70-80 km all'ora. Potresti leggere il testo del tuo logo? Se sì, va tutto bene. In caso contrario, potrebbe valere la pena lavorare sui caratteri.

13. Avete formati di logo vettoriali?

È molto importante avere file del logo in formato vettoriale (AI, EPS, SVG, PDF). Ciò ti consentirà di stampare il tuo logo su qualsiasi scala senza perdere la qualità, nonché di modificarlo. Ad esempio, crea un logo di un colore diverso.

Speriamo che i nostri consigli ti siano utili e creerai un logo fantastico!

Ciao a tutti!

In attesa dell'imminente uscita della nostra nuova formazione "Scuola d'identità di 40 giorni" Porto alla vostra attenzione un articolo dell'autore e relatore del prossimo corso.

Alexey Romashin:

Mi occupo di stili aziendali da più di 20 anni, ne ho sviluppati più di cento, alcuni dei quali sono diventati “classici”.

I miei segni e loghi sono entrati in vari annali russi ed europei, ma non è questo il punto... Il punto è che parallelamente al lavoro di progettazione, insegno le basi del design grafico e insegno con particolare attenzione identità. Perché concentrarsi su questo e non sulla tipografia, su un poster o, ad esempio, sulla calligrafia?

Per due ragioni. Il primo, banale, è la monetizzazione delle competenze, perché identità Oggi è la specializzazione più ricercata dal mercato del graphic design.

Il secondo motivo è più profondo. Il fatto è che nell'identità è racchiuso il gene principale della professione, la capacità di estrarre un segno-simbolo, la capacità di tradurre in linguaggio figurato un messaggio espresso in parole, verbalmente.

Perché questa abilità è così importante per il designer moderno? Ma perché la missione di un grafico, prima di tutto, è “confezionare” e trasferimento di informazioni, non decorazione superficiale.

In generale, secondo il modello moderno della professione, tutto ciò che produce un designer sono segni, ovvero “testi visivi”. Il linguaggio del segno è il linguaggio della cultura dell'era postindustriale, cioè la nostra. Viene utilizzato dal cinema, dal teatro, dalla letteratura e dalla moda, per non parlare delle discipline in cui il compito principale di trasmettere informazioni è, ad esempio, il Web.

Oltre al fatto che un segno è un mezzo per trasmettere informazioni, è anche un mezzo per stabilire una connessione continua, “connessione con il marchio”, un mezzo per mantenere una continuità di comunicazione tra il produttore e il consumatore, attraverso il quale il il coinvolgimento del consumatore in un particolare marchio, in un particolare modello è un consumo aggiornato. I numerosi segni che ci circondano formano una nuova realtà parallela: una sfera simbolica chiamata sfera del segno.

Mi permetterò il pensiero cinico che nella società dei consumi in cui viviamo, la persona media è la somma dei marchi che gli piacciono. E in cima a tutta questa piramide di valori spunta un segno, come una stella in cima a un albero di Natale.

Un po' di storia

La storia del segno è antica e ricoperta di muschio. Non ti racconterò le leggende sugli allevatori di bestiame sumeri che marchiavano le loro mucche con segni individuali già nel IV millennio a.C. e. – questo non ha niente a che fare con noi.

Ma è più vicino al tema il fatto che già nel XVI secolo in Europa cominciarono ad emergere enti governativi per registrare e proteggere i marchi utilizzati dalle varie corporazioni artigiane.

Successivamente, durante la rivoluzione industriale dei secoli XVIII-XIX, i segni iniziarono a trasformarsi da semplice identificatore in portatori di valori, principalmente aziendali, cioè iniziarono a trasformarsi da semplice indicatore in oggetto comunicativo.

L'identità del 19 ° secolo si distingueva per una maggiore decoratività e simbolismo, che a volte erano incomprensibili allo spettatore moderno. La natura decorativa era insita in esso principalmente perché uno dei loro compiti importanti era decorare il prodotto su cui venivano applicati segni o loghi.

L’identità del XIX secolo era piena di immagini
animali mitologici: chimere, grifoni, unicorni. Il suo simbolismo concentrato, credo, era dovuto principalmente al fatto che i "designer" di quel tempo traevano ispirazione dall'araldica, la scienza della compilazione, descrizione e decifrazione degli stemmi.

Si ritiene che uno dei primi marchi non araldici fosse l'immagine di un cane di nome Nipper che ascoltava un grammofono. Questo fatto è accompagnato dalla seguente storia:

Il proprietario del cane, Marc Barrot, morì nel 1887 e lasciò il cane ai suoi fratelli Francis e Philip. I fratelli notarono con quanta attenzione Nipper ascoltava il grammofono. Esiste una versione in cui ha ascoltato la voce del suo defunto padrone. Toccato da questa scena, frate Francis dipinse un dipinto, “Un cane che ascolta un fonografo”, e con esso decorò la parete del soggiorno.

Successivamente il dipinto fu donato e decorò l'ufficio della compagnia Gramophone. Quando è nata la necessità di marchiare i prodotti: i dischi del grammofono, a causa della mancanza di idee, si è deciso di utilizzare questa particolare immagine. A proposito, ancora oggi viene utilizzato in una forma altamente stilizzata.

Negli anni '20, la rapida crescita dell'industria stimola lo sviluppo dell'identità. Per la prima volta un segno cessa di svolgere la funzione di decorazione di un oggetto e diventa un elemento comunicazioni. I segni perdono la loro maggiore decoratività, si semplificano e cominciano a gravitare verso una soluzione spot generalizzata.

La formazione definitiva dell’identità come disciplina di design separata avvenne immediatamente dopo la seconda guerra mondiale. L’Europa si sviluppò rapidamente, assorbendo gli investimenti americani e ricostruendosi. Il mercato aveva bisogno di molto “design veloce ed economico”.

Uno stile tipografico internazionale noto come originario della Svizzera negli anni '50 e '60. è stata la prima a rispondere alle richieste del mercato globale. Le caratteristiche distintive della scuola svizzera erano il minimalismo dei mezzi artistici, la griglia, l'uso di caratteri grotteschi, principalmente Helvetica, e un profondo simbolismo.

Negli anni ’60 e ’70 “gli schizzi della scuola svizzera di design cominciarono ad attraversare la cortina di ferro”. Soprattutto grazie alla monografia di Joseph Müller-Brockmann “Sistemi modulari nella progettazione grafica. Un manuale per grafici e tipografi", che è stato introdotto clandestinamente nell'URSS e tradotto in russo da appassionati di design.

Da allora, il metodo del minimalismo svizzero e l’uso significativo delle sue tecniche sono diventati sinonimo di eccellenza nella professione dei grafici sovietici e post-sovietici.

Prenditi una pausa da questo testo per un secondo, chiudi gli occhi e cerca di ricordare come appaiono i segni che conosci. Cosa ti sei ricordato per primo? Apple, Mercedes, Peugeot, Burberry, Coca-Cola, McDonald's, United Russia, Camel?

D'accordo, le immagini del marchio sono saldamente radicate nella nostra memoria, nonostante non abbiamo fatto alcuno sforzo per ricordarle. Forse non siamo in grado di disegnarli, ma li ricordiamo in tutti i più piccoli dettagli e anche a colori.

Esiste un intero arsenale di tecniche professionali su come rendere il segno “avvitato” nella nostra coscienza e rimanere lì per molto tempo. Per ottenere l'effetto di memorabilità e riconoscimento, i professionisti utilizzano tecniche diverse. significati. Ora è apparsa una nuova parola e non tutti la capiscono.

Il “significato” è il processo di traduzione delle informazioni rilevanti, il significato, in una specifica forma di segno.

Dei metodi e degli algoritmi di significazione parlerò sicuramente nei post successivi, ma per ora voglio concludere con la tipologia del segno.

Tipologia del segno

Segno classico o carattere apparve a metà del XIX secolo nell'arte tipografica britannica. La base di un segno unico era un carattere. La creazione di un tale segno comporta il disegno manuale delle singole lettere del carattere originale creato; questa tecnologia è ancora chiamata lettering.

Segno di carattere apparve all'inizio del XVIII secolo in Olanda, quando ci fu un boom della produzione di bulbose e ogni agricoltore contrassegnava i suoi prodotti con l'immagine del fiore in cui era specializzato.

Al momento esistono 2 tipi di segni simbolici: tipi concreti e astratti. I segni simbolici possono basarsi sull'immagine reale di qualcuno o qualcosa, oppure possono essere completamente astratti e non riferirsi a nessuna immagine, oggetto o creatura vivente specifica.

In base al grado di astrazione si dividono in segni di tipo concreto e astratto. Esempio: il coccodrillo Lacoste è concreto e la “sciabola” Nike è astratta.

Segno sinteticoè apparso all'inizio del XX secolo in Germania ed è associato alla crescita della produzione di equipaggiamento militare. Si ritiene che sia stato in Germania che per la prima volta abbiano iniziato a combinare lettere e simboli in un logo. Questo è il modo più comune per formare un logo nella pratica del design. L'immagine si fonde con il logo, formando con esso una composizione inestricabile.

Formazione nell'identità

Un segno è innanzitutto una forma. La forma è ciò che valutiamo per prima; l'immersione nel contenuto del segno avviene dopo qualche tempo. Dal punto di vista della modellatura e secondo la classificazione del professor S.I. I segni di Serov sono:

• Planare, non sezionato
• Uguale pressione lineare
• Multipressione lineare
• Pseudo-volume

Perché un designer ha bisogno di tutte queste sofisticate classificazioni? Molto probabilmente non ce n'è bisogno, tuttavia...

Recentemente, per trasmettere le informazioni agli studenti nella forma più digeribile, ho realizzato una semplice tabella, in cui lungo l'asse “X” si trovavano i tipi di segni: carattere, simbolico, sintetico, e lungo l'asse “Y” i metodi della loro formazione - planare, lineare, pseudo-volume ecc.

Quindi, tutti i segni “di qualità” della mia collezione, raccolti negli anni, appartenenti a tempi e scuole diverse, rientrano perfettamente in questa tabella; potrebbero essere descritti da una combinazione di 3 tipologie e 4 metodi di formazione.

Un certo numero di segni che conservavo nella mia “strana” cartella, come esempi di stravaganti esperimenti postmoderni soggetti ad analisi e comprensione, non erano inclusi in questa tabella, non potevano essere descritti con le caratteristiche sopra indicate, rientravano nella colonna "zona di esperimento creativo".

Al termine della procedura, ho concluso che, molto probabilmente, i segni “strani” della mia collezione non sono segni dal punto di vista del marketing, e con sollievo li ho gettati nella spazzatura perché non necessari.

Per favore, non sospettatemi di ipocrisia e di mancanza di tolleranza per il nuovo e la sperimentazione. Marketing, niente di personale.

Parlerò dei metodi di significato, del lato contenutistico dell'identità, di come decifrare un messaggio, di come rendere un segno “intelligente” e da dove trarre ispirazione e vitalità per questo nei post successivi.

Ti auguro successo creativo!