BILD IM DESIGN - eine emotionale und sinnliche Vorstellung von Zweck, Bedeutung, Qualität und Originalität eines gestalterischen Kunstwerks, eine Kategorie der ästhetischen Bewertung der Ergebnisse gestalterischer Kreativität.

Design im Design unterscheidet sich deutlich von einem ähnlichen Konzept in anderen Kunstformen, da Design einerseits viel stärker an den pragmatischen Inhalt der Ergebnisse seiner Tätigkeit gebunden ist und andererseits nicht nach außen hin vorgibt die spirituellen Ziele künstlerischen Schaffens zu verwirklichen. Dennoch erhebt die Ausdruckskraft und Bedeutung des künstlerischen Ausdrucks ihn aus mehreren Gründen in den Rang konzeptionell bedeutsamer kultureller Phänomene.

Das visuelle System im Haus ist klar in drei Gruppen unterteilt, die die Art ihrer Präsentation für den Betrachter widerspiegeln:

Kolorographisch (ähnlich der Malerei und Zeichnung in der bildenden Kunst);

Volumetrisch-plastisch (ähnlich der skulpturalen Kreativität);

Räumlich – die Möglichkeiten der architektonischen Organisation unserer Umwelt reproduzieren.

Je komplizierter die Palette der Mittel jedes nachfolgenden Designtyps ist, desto größer ist das Potenzial für seine figurative Wahrnehmung.

Aber unabhängig von der Art der Präsentation haben alle Designerbilder einen doppelten Ursprung:

Bereitstellung von Informationen für den Verbraucher über die Art der Haushalts- oder Arbeitsprozesse, für die seine „Träger“ geeignet sind;

Sie haben unabhängige visuelle Eigenschaften (Helligkeit, Plastizität, kompositorische Struktur usw.), die der Betrachter als eigenständiges ästhetisches Zeichen wahrnimmt, als „Bildstruktur“, die ein von der Funktion unabhängiges Leben führt.

Besonderheiten der Wahrnehmung (Verzehr) bestimmen maßgeblich die spezifischen Eigenschaften von Lebensmitteln in Lebensmitteln. Darunter:

Die funktionale Färbung einer bestimmten figurativen Lösung, die durch die utilitaristischen Aufgaben des Konsums ihre Rolle im Lebensstil einer bestimmten Person oder eines bestimmten Teils der Gesellschaft anzeigt;

Die universelle Anerkennung figurativer Merkmale, einerseits bedingt durch den Wunsch nach Originalität und Einprägsamkeit ihrer Lösungen, andererseits durch deren Massenverbreitung, die buchstäblich alle Gesellschaftsschichten mit den entsprechenden visuellen Prototypen bekannt macht ( Thonet-Möbel, „skandinavisches“ Design usw.);

Принадлежность наиболее ярких образных предложений в дизайне конкретной творческой личности, которая раскрывается через индивидуальные черты авторского «фирменного стиля» или другие признаки, присущие работам того или иного мастера или проектного сообщества («Браун» стиль, работы Э. Соттсасса, Ф. Хундертвас-сера usw.);

Kontinuierlicher Wandel privater visueller Merkmale – der Dynamik dekorativer Möglichkeiten, der Prinzipien technologischer Lösungen – mit der Stabilität des Grundverständnisses der funktionalen Aufgaben dieser Art von Designarbeiten (zum Beispiel die Entwicklung der Formen von Haushaltsgeräten: Rasierer, Heizgeräte usw.);

Grundlegende Eingängigkeit, Helligkeit formaler Lösungen, die darauf abzielen, die Aufmerksamkeit des Verbrauchers zu erregen, „Werbung“ für ihr Erscheinungsbild, verbunden mit dem kommerziellen Charakter der Verbreitung von Designkunstwerken in der Gesellschaft.

Tatsächlich lässt sich die gesamte Vielfalt der künstlerischen Variationen der Malerei in der Malerei in zwei Strömungen einteilen:

Gewöhnliche Werke sind in der Regel anonym und interpretieren die Ästhetik eines Designobjekts ungefähr auf der Ebene eines „generischen“, kollektiven Bildes (Massenproduktion, die eine harmonische „Standard“-Form aufweist, aber keine Orientierung an einer individuellen Vision davon hat Typ);

Produkte, Komplexe und Ensembles sind „ikonisch“, definieren die Entwicklungslinie eines bestimmten Designbereichs und nähern sich dem persönlichen Gefühl figurativer Merkmale und ihrer individuellen Interpretation sowohl durch den Autor als auch durch den Verbraucher.

Diese und viele andere Merkmale figurativer Lösungen (kurzfristige, flüchtige Existenz der meisten grafischen Objekte, Verpackung, dynamische Methoden der Beleuchtung der städtischen Umgebung, wechselnde Moden in der Kleidung usw.) machen die Kategorie des künstlerischen Designs zu einem völlig eigenständigen Phänomen in der allgemeine Kunsttheorie, die die Entwicklung eines eigenen Forschungs- und Konzeptapparats erfordert (vergleichen Sie beispielsweise die Kategorien „künstlerisches Bild“ in der traditionellen Ästhetik und „künstlerischer Bildtyp“ im Design).

Die Arbeit mit einem Bild im Design bietet vielfältige Lösungen sowohl in grafischer als auch in materieller Hinsicht. Darüber hinaus können Grafiken entweder von Menschenhand oder auf andere Weise erstellt werden (einschließlich Fotografie, Typografie, Computergrafik usw.). Bei der Materialauswahl orientiert sich der Designer am Gestaltungskonzept. Daher sind sowohl traditionelle Lösungen als auch innovative Suchlösungen anwendbar.

Schilder und Schildersysteme. Anforderungen an die Struktur der Organisation des Zeichens. Arten grafischer Zeichenformen.

Das Konzept eines Zeichensystems bezieht sich nur auf die grafischen Formen von Zeichen und berührt nicht den Bereich der Zeicheninformationsfunktion anderer Klassen künstlicher Systeme. Theoretisch wurde ein Zeichen unter dem Gesichtspunkt der formalen Struktur seiner inneren Organisation als Beziehung betrachtet: grafisches Medium – semantischer Inhalt. Abhängig von der Art dieser Beziehung wurden Zeichen in drei Typen unterteilt: ikonische Zeichen, Indexzeichen (auch unterteilt in geometrische und skulpturale) und Symbolzeichen (jedes Zeichen kann Eigenschaften haben: statisch, dynamisch usw.). In der Praxis werden die Hauptfragen der formalen Organisation, vor allem die ersten beiden, erarbeitet, da Zeichen-Symbole unterschiedlich gestaltet sind (aufgrund ihrer inhaltlichen Komplexität und der Besonderheiten der Gestaltungsmethoden zu ihrer Entstehung).

Die Wissenschaft der SEMIOTIK untersucht Zeichen und Zeichensysteme.

Damit ein Bild dem Konzept der Ikonizität genau entspricht, muss die Struktur seiner Organisation vier grundlegende Anforderungen erfüllen: Autonomie, Unterscheidungskraft, Einprägsamkeit und visuelle Aktivität. Wenn diese Anforderungen in der Sprache der formalen Komposition beschrieben werden, erhalten wir die folgenden Merkmale.

Autonomie wie Abgrenzung, Unabhängigkeit, völlige Unabhängigkeit und visuelle Isolation von der äußeren Umgebung und allen möglichen Fremdeinflüssen die kompositorische Schließung der grafischen Struktur des Zeichens, das charakteristische „Falten“ von Stromleitungen im Innenraum des Bildes, voraussetzen des Installationsprinzips der kompositorischen Organisation mit einem dominanten Element. Die Eigenschaft der Autonomie eines Zeichens gewährleistet die Konstanz seiner Wahrnehmung, unabhängig von der Umgebung, in der es sich befindet. Dies bezieht sich sowohl auf die physische als auch auf die semantische Umgebung.

Die Eigenschaft der Autonomie eines Zeichens muss durch eine Eigenschaft ergänzt werden, die für seine Struktur und visuelle Funktion nicht minder wesentlich ist Besonderheit, was es von anderen Zeichen unterscheidet und nicht die Möglichkeit gibt, sich in ihrer Gesamtheit zu „verirren“ und „aufzulösen“. Diese Eigenschaft wird durch die interne Individualisierung der grafischen Struktur des Zeichens gewährleistet, die ihm Unterscheidungsmerkmale verleiht, die es von einer Reihe ähnlicher Zeichenformen unterscheiden.

Eigentum Einprägsamkeit charakterisiert die Organisationsform der grafischen Struktur des Zeichens, die Klarheit und Präzision seiner Konstruktion aufgrund der extremen Allgemeinheit, Ordnung und Integrität der kompositorischen Organisation des Bildmaterials, Prägnanz und optimale Komplexität seiner Bestandteile.

Visuelle Aktivität Die Zeichenform setzt die Unterordnung ihrer Struktur unter die Gesetze und Prinzipien der menschlichen Gefühls- und Sinneswahrnehmung voraus, eine verstärkte Reaktion darauf als energiereichen Reiz, eine Art Signal für die intensive Arbeit des Sinnesapparates. Die Eigenschaft der visuellen Aktivität eines Zeichens wird bei seiner Entstehung unter Nutzung des Arsenals formaler kompositorischer Ausdruckskraft realisiert, das den Studierenden bereits aus früheren Aufgaben bekannt ist.

Die qualitative Spezifität einer Zeichenform ist die Beziehung des Zeichens zu anderen Bildformen, seine spezifischen Unterschiede – dieses Zeichen im Verhältnis zu anderen Zeichenstrukturen, die Merkmale der individuellen Struktur – die Integrität der inneren Morphologie des Zeichens und die Produktivität des Funktionierens - die Aktivität der visuellen Wahrnehmung).

25. Ikonisches Zeichen, Indexzeichen und Symbolzeichen. Merkmale und Zeichenbildung. Grafiken und Schriftart im Schild.

IKONISCHES ZEICHEN Ikonische Zeichen zeichnen sich durch eine solche Beziehung zwischen dem grafischen Medium und dem semantischen Inhalt aus, wenn ihre vollständige Übereinstimmung beobachtet wird. Mit anderen Worten: Die grafische Struktur eines ikonischen Zeichens enthält und vermittelt seinen eigenen semantischen Inhalt, sodass bei der Wahrnehmung keine besondere Umkodierung der vom Zeichen übermittelten Informationsbotschaft erforderlich ist. Das grafische Medium ikonischer Zeichen basiert immer auf den Prinzipien der Bildlichkeit und darauf, dass die Begriffe „ikonisch“ und „bildhaft“ selbst in ihrer Bedeutung zwei untrennbar miteinander verbundene Seiten des Zeichens angeben – ein Bild als grafisches Modell von etwas zu sein (Ikonizität) und gleich, identisch, ähnlich (iso-)dargestellt sein, d.h. Figurativität als Ähnlichkeit im Bild der Wahrnehmung. Daher ein so wesentliches Merkmal ikonischer Zeichen wie ihr hoher Grad Isomorphismus(in der Form ähnlich) wie das abgebildete.

Dies bedeutet jedoch nicht, dass das ikonische Zeichen in seiner Informationskapazität dazu neigt, eine vollständige Isomorphie mit dem Dargestellten einzugehen, wie dies beispielsweise bei Dokumentarfotos zu beobachten ist. Obwohl das grafische Medium in einem ikonischen Zeichen eine gewisse Isomorphie mit dem dargestellten Objekt beibehält, ist es keine vollständige Kopie davon. Es stellt ein deutlich verändertes Modell eines Objekts dar, das einen besonderen Aspekt des semantischen Inhalts eines bestimmten Objekts hervorhebt, enthüllt und bildlich darstellt. In diesem Zusammenhang ist bei der Bildung eines ikonischen Zeichens immer das Problem der Herstellung einer harmonischen Entsprechung zwischen der Organisationsform des grafischen Mediums, dem semantischen Inhalt und der anfänglichen Informationsredundanz des angezeigten Objekts akut.

Ikonische Zeichen und Indexzeichen sind im Allgemeinen die Haupttypen grafischer Zeichen. Bei einem Indexzeichen steht die grafische Struktur des Trägers in keinem Zusammenhang mit dem semantischen Inhalt, den es vermittelt, d. h. Es besteht nicht nur keine Ähnlichkeit zwischen ihnen, sondern auch überhaupt keine Form der Abhängigkeit. Ihre Beziehung wird ausschließlich durch äußere künstliche Mittel hergestellt. Sie wird in der Regel auf der Grundlage einer Tarifvereinbarung der Subjekte des Kommunikationsprozesses festgelegt, konventionell wird sie „zwangsweise“ durch einen Willensakt festgelegt. Direkte Analogien zu Indexzeichen sind die Buchstaben des Alphabets jeder modernen Sprache.

Da das Indexzeichen naturgemäß semantische Inhalte trägt, die nicht zu seiner eigenen grafischen Struktur gehören, werden an seine Gestaltung besonders hohe Anforderungen gestellt. Dabei geht es zunächst um die formal-kompositorische „Reinheit“ der Struktur der grafischen Struktur des Zeichens, bei der es nicht einmal die geringsten Zeichen geben sollte, die bei der Wahrnehmung objektive Assoziationen hervorrufen können. Dies würde unmittelbar eine Verzerrung (bis hin zur völligen Substitution) seines konventionell etablierten semantischen Inhalts nach sich ziehen. Die Gestaltung der grafischen Struktur eines Indexzeichens unterliegt daher ausschließlich den Gesetzen der formalen Gestaltung und jenen vier Anforderungen, die bei der Konstruktion der Zeichenform als Ganzes als systembildende Faktoren dienen.

Die Konstruktion eines Indexzeichens beginnt mit der Suche nach einem grundlegenden Strukturdiagramm, das die Rolle eines morphologischen „Gerüsts“ der zukünftigen Zeichenform spielt. In dieser Arbeitsphase spielen die Anforderungen der Unterscheidbarkeit und Einprägsamkeit eine führende Rolle, die die Verhältnismäßigkeit der Elemente der inneren Struktur des Indexzeichens gewährleisten sollen. Weitere Arbeiten zielen darauf ab, die innere Struktur des Zeichens mit Eigenschaften und Zeichen von Autonomie und visueller Aktivität zu füllen. Somit wird der grafische Träger des Indexzeichens konsequent als formale kompositorische Verkörperung des Maßes der Ikonizität als solcher geführt, sinnvoll spezifiziert in Form von vier Anforderungen an seine visuellen Eigenschaften.

Indexschilder bestehen im Wesentlichen aus zwei Kunststoffarten: geometrisch Und skulptural.

Eine weitere kreative Aufgabe besteht darin, die figurativ-dominanten Eigenschaften jedes Zeichens auf die Schriftgruppe zu übertragen. Die Hauptaufgabe besteht darin, jedem Element der Schriftgruppe eine figurative Charakteristik zu verleihen, die dem grafischen Stil der generierten Zeichen entspricht. Die Übertragung der dominanten Eigenschaft eines Zeichens auf die Elemente einer Schriftgruppe (d. h. Buchstaben) erfordert die Berücksichtigung der Besonderheiten ihrer eigenen strukturellen Konstruktion, die das Kriterium für die Festlegung des Maßes aller ihrer möglichen Transformationen festlegt. Dieses Maß wird in der Beziehung zwischen dem Grad der Bekanntheit (d. h. der Erhaltung) des Prinzips der strukturellen Konstruktion eines Buchstabenzeichens und dem eingeführten figurativen Merkmal festgelegt.

Zeichen-Symbole eine komplexe und mehrdeutige Verbindung mit dem symbolisierten Objekt herstellen. Die Lesart solcher Zeichen hängt so stark von ihrem Kontext ab, dass sie nicht außerhalb ihres semantischen Umfelds betrachtet werden können. Das Symbol ist untrennbar mit seiner bildlichen Struktur verbunden und zeichnet sich durch die unerschöpfliche Vieldeutigkeit seines Inhalts aus.

Obwohl das Wort „Symbol“ vom griechischen „Zeichen“ (symbolon), „identifizierendes Zeichen“, stammt, ist die Bedeutung, die diesem Begriff heute beigemessen wird, viel komplexer. Ein korrektes Verständnis eines Zeichensymbols erfordert das Eintauchen des wahrnehmenden Bewusstseins in den Kontext der Kultur, die es hervorgebracht hat. Die Fähigkeit, in symbolischer Sprache verfasste Botschaften angemessen wahrzunehmen, setzt die Existenz einer Konvention (Übereinkunft) innerhalb der Kultur hinsichtlich ihrer Bedeutung voraus. Aber im Gegensatz zu Indexzeichen, deren Verwendung bei unklarer Bedeutung ihre Bedeutung verliert, sind Symbole mit der ganzen Organizität und Unerschöpflichkeit künstlerischer Bilder ausgestattet.

Nicht jedes Zeichen kann zum Symbol werden. Der Linguist Ferdinand de Saussure aus dem 19. Jahrhundert lieferte das folgende Beispiel: Die Waage ist ein Zeichen, das die Idee des Gleichgewichts enthält, der Karren jedoch nicht, sodass die Waage ein Symbol der Gerechtigkeit sein kann, der Karren jedoch nicht.

Die kulturelle Erfahrung jeder Region entwickelt einen intuitiven Ansatz zur Interpretation der für sie bedeutsamen Symbole.

Eines der offensichtlichsten Beispiele: Schwarz ist in der europäischen Kultur die Farbe der Trauer, „schmutzige Taten“ sind schlechte Taten usw. Aber in der chinesischen Tradition ist die Farbe der Trauer und Trauer Weiß, was in unseren üblichen Vorstellungen die Bedeutung hat Reinheit und Unschuld, das ist die Farbe eines Hochzeitskleides.

Die Einheit der Grundmenge dominanter Symbole bestimmt die nationalen und regionalen Grenzen einer Kultur.

Die Symbole gehören keinem bestimmten historischen Abschnitt an, sondern durchdringen diesen Abschnitt vertikal von der Vergangenheit in die Zukunft. In verschiedenen Epochen wird das Symbol in Varianten verwirklicht, aber es selbst ist unveränderlich und jederzeit erkennbar. Durch Symbole wird der Mechanismus der Einheit und Kontinuität der Kultur verwirklicht. Unter einem Symbol wird ein Zeichen verstanden, das einen so weiten Bedeutungsbereich bezeichnet, dass seine Verwendung ein bestimmtes kulturell-semantisches Register, einen großen kulturell-semantischen Bereich umfasst. Die Bedeutung eines Symbols schwankt zwischen der realen und der tatsächlichen symbolischen Bedeutung. Es bezeichnet keinen bestimmten Inhalt, sondern weist auf ein semantisches Feld, eine bestimmte kulturelle Tradition, einen Bereich gemeinsamer Erinnerung hin. Symbole sind Signale des gemeinsamen Gedächtnisses.

Die Symbole unterscheiden sich:

An einfach- elementare geometrische Formen grafischer Natur; Grundfarbgegensätze;

Komplex- Bilder, die aus grafisch komplexen Formen bestehen.

Einfache Symbole haben einen zutiefst archaischen Charakter, behalten jedoch stets ihre kulturelle Aktivität. Sie haben einen komplexen, vielschichtigen und mehrwertigen Inhalt. Je universeller das erstellte Bild ist, desto näher sind ihm einfache Symbole und ihre Kombinationen.

Der berühmte Wissenschaftler und religiöse Denker Pater Pavel Florensky identifizierte achtzehn Grundsymbole: Punkt, vertikale Linie, geneigte Linie, horizontale Linie, deren Schnittpunkt, Winkel, Dreieck, Viereck, Kreuz, Fünfeck, Sechseck, Siebeneck, Achteck, Kreis (Kreis), Scheibe (Kreisfläche), Kugel, Ei, Währung.

Komplexe Symbole haben eine definiertere, festere und einzeiligere Bedeutung. Je privater, lokaler der Charakter des geschaffenen Bildes ist, desto näher stehen ihm die komplexen Symbole („Lorbeerkranz“, „Eiserner Reiter“ etc.). Zu den Zeichensymbolen gehören auch:

PFLEGEZEICHEN-SYMBOLE

(Einhaltung der Regeln bei der Verwendung bestimmter Non-Food-Produkte) inklusive internationaler Symbole.

HANDHABUNGSSCHILDER (Bilder, die zeigen, wie mit der Ladung umzugehen ist).

Astralsymbole, die in Zeichen usw. verwendet werden.

UDC 111.08:7.042.2 Lazutina Tatyana Vladimirovna

Doktor der Philosophie, Professor der Fakultät für Geisteswissenschaften der Staatlichen Öl- und Gasuniversität Tjumen

Farbsymbolik in der Sprache des Designs

Anmerkung:

Das zentrale Problem des Artikels ist die Betrachtung der Designsprache als soziokulturelles Phänomen, was die Notwendigkeit erfordert, die spezifische Natur der Designsprache zu identifizieren, verstanden als künstliche Sprache, gesättigt mit verschiedenen Zeichenformationen. Es ist erwiesen, dass Signale, Zeichen und ihre Systeme, Symbole das semantische Feld der Designsprache ausfüllen. Die in der Designkreativität verwendete Farbsymbolik wird untersucht. Es wird gezeigt, dass der symbolische Charakter der Designsprache die Möglichkeit einer Polyphonisierung des künstlerischen Bildes der Designkunst verwirklicht, die als universelle Kategorie künstlerischen Schaffens verstanden und als Möglichkeit und Ergebnis der Reproduktion der Lebenswirklichkeiten in der Kunst betrachtet wird.

Stichworte:

Design, Designsprache, Farbe, Kunst, Symbolik, Symbolisierung, Kultur.

Lazutina Tatiana Wladimirowna

D.Phil. in Philosophie, Professor, Abteilung für Geisteswissenschaften, Staatliche Öl- und Gasuniversität Tjumen

FARBSYMBOLIK IN DER DESIGNSPRACHE

Der Artikel konzentriert sich auf die Betrachtung der Designsprache als soziokulturelles Phänomen, das die Untersuchung der spezifischen Natur der Designsprache bestimmt, interpretiert als künstliche Sprache, gefüllt mit verschiedenen Zeichenfamilien. Es ist erwiesen, dass Signale, Zeichen und ihre Systeme, Symbole ein semantisches Feld der Designsprache füllen. Die in Designarbeiten verwendete Farbsymbolik wird untersucht. Es wird gezeigt, dass der symbolische Charakter der Designsprache die Möglichkeit erfüllt, einem Kunstbild des Designs multidimensionale Inhalte zu verleihen. Kunst wird als allgemeine Kategorie künstlerischer Kreativität und als Art und Ergebnis der Reproduktion des Lebens in der Kunst verstanden.

Design, Designsprache, Farbe, Kunst, Symbolik, Symbolisierung, Kultur.

Die Symbolik der Designsprache führt zu einer Vielzahl von Lesarten der Bedeutung von Designkunst, die auf die Harmonisierung ästhetischer und utilitaristischer Prinzipien abzielen und das Interesse eines breiten Spektrums von Forschern der modernen Designphilosophie wecken. Das Problem des Studiums von Design und seiner Sprache bedarf der Reflexion, da Design durch ein mit verschiedenen Symbolen, insbesondere Farbsymbolen, gesättigtes Bildsystem aktiv Einfluss auf die Bildung ideologischer Einstellungen einer Person (Gesellschaft) nimmt und nicht nur die laufenden Veränderungen widerspiegelt im soziokulturellen Bereich, aber auch die Pflege des künstlerischen Geschmacks und die Gestaltung der Welt der Wertorientierungen.

Heutzutage steht die Suche nach den Besonderheiten von Designsprachenwerkzeugen im Mittelpunkt des Interesses inländischer Forscher (E.G. Berdichevsky, N.P. Beschastnov, M.S. Kukhta, R.M. Lobatskaya, V.A. Lyashenko, M. V. Pankin, G.I. Petrova), die verschiedene Methoden anwenden die Mechanismen der Symbolbildung untersuchen und weiter konkretisieren: eine dialektische Betrachtungsweise der Designsprache in der Einheit und Vielfalt ihrer Eigenschaften; eine vergleichende historische Methode, die es uns ermöglicht, die Beziehung zwischen Dynamik und Statik in ihrer Entwicklung zu identifizieren, die durch den Wandel der Stiltechniken einer bestimmten historischen Epoche bestimmt wird, der in der gestalterischen Kreativität auftritt.

Der Einsatz eines semiotischen Ansatzes in Bezug auf sprachliche Gestaltungsmittel erscheint vielversprechend, da er es uns ermöglicht, Design als eine spezielle künstliche Sprache zu betrachten, in der Zeichensysteme (Symbole) existieren.

Das Hauptziel dieses Artikels besteht darin, die spezifische Natur der Designsprache zu identifizieren, die die Notwendigkeit einer Analyse der Welt der bei Designaktivitäten verwendeten Symbole erhöht.

Von besonderem Interesse für die Studie ist die Farbsymbolisierung, worunter der Prozess verstanden wird, Farbphänomenen, die in der gestalterischen Kreativität eine Rolle spielen, eine figurative Bedeutung zu verleihen. Es ist zu beachten, dass Farbe nur im Kontext einer bestimmten symbolischen Situation eine zusätzliche Bedeutung hat. Darüber hinaus „erhält“ das Bild des Designers umso mehr Bedeutung, je höher die Wahrnehmungskultur und der Ausbildungsgrad des Themas Designkreativität sind.

KULTURWISSENSCHAFT

Design als besondere Tätigkeit zur Herstellung von Kulturgütern zielt darauf ab, praktische Zweckmäßigkeit und Ästhetik zu verbinden. Design bildet im Laufe seiner historischen Entwicklung ein System künstlerischer Mittel, denen im Verlauf ihrer Funktionsweise eine symbolische Bedeutung zugeschrieben wird, d. h. Design wird zu einer besonderen Sprache, deren Elemente ein Punkt, eine Linie sind , Fleck, Form und andere Ausdrucksmittel.

Somit ist die Designsprache ein System künstlerischer Mittel, das sich im Prozess der historischen Entwicklung des Designs entwickelt hat, zu dessen ausdrucksstarken (visuellen) Mitteln die Farbe gehört, die in dieser Arbeit als eine bestimmte Eigenschaft von Körpern verstanden wird, in denen sie eine visuelle Empfindung hervorruft entsprechend der spektralen Zusammensetzung des von ihnen reflektierten (ausgesandten) Lichts folgende Eigenschaften aufweist: Farbton, also unterschiedliche Farbnuancen; Sättigung, also der Helligkeitsgrad einer Farbe; Helligkeit – die Reflexionsfähigkeit einer Farboberfläche – spielt eine führende Rolle bei der Gestaltung von Designbildern.

Die Praxis zeigt, dass trotz der Tatsache, dass die gestalterische Kreativität die gesamte Vielfalt der Symbolik nutzt, die als Ergebnis eines langen Entwicklungsprozesses der Kulturwelt entstanden ist, der Symbolik der Farbe in der Gestaltungspraxis eine besondere Bedeutung beigemessen wird.

Im Zuge der Ermittlung der soziokulturellen Präferenzen einer Kultur haben moderne Forscher, insbesondere G.Yu. Osmankin weist darauf hin, dass „...die Synthese von Linien und Farbe... den künstlerischen Prozess eines jeden Werkes am deutlichsten widerspiegelt und seine historische Bedeutung in der künstlerischen Kultur bestimmt.“ Was ist der Grund für die Situation, die sich in der Geschichte der Kunst im Allgemeinen und des Kunsthandwerks im Besonderen entwickelt hat?

Wir weisen darauf hin, dass verschiedene Farben in der antiken Kunst (Ägypten, Indien, China und Griechenland) eine symbolische Bedeutung hatten und die natürlichen Elemente (Feuer, Erde, Wasser und Luft) verkörperten; oft als Zeichen der Erschaffung aller Dinge fungierend; in erster Linie die besten menschlichen Eigenschaften zum Ausdruck bringen, zum Beispiel Aktivität, Mut, Unschuld, Bescheidenheit; als Zeichen idealer Gestaltungen fungieren, zum Beispiel Wahrheit, Güte und Schönheit; personifiziert Reichtum und Macht. Die moderne Forschung stellt fest, dass „alte Völker versuchen, die Gesetze des Universums zu verstehen, einen ordnenden Platz in der Welt zu finden“, und dabei hilft ihnen ein Farbsystem, bei dem „...Symbole zu einem Mittel werden, das es ermöglicht.“ einer, der das Unsichtbare, das Göttliche „visualisiert“ und konkretisiert.“ .

Beachten Sie, dass in der Kunstwelt des christlichen Mittelalters und der darauffolgenden rebellischen Renaissance Farbe als Folge eines künstlerischen Paradigmenwechsels als Manifestation des metaphysischen Lichts betrachtet wurde, das in der Natur verkörpert ist und die ständige Bildung von beeinflusst die Farbkanone der bildenden Kunst.

Das theoretische Verständnis von Farbe ist am tiefsten in der Philosophie des New Age in den Werken von F. Bacon, J. Locke, T. Hobbes, J. Berkeley und D. Hume verankert, was sich in der Weiterentwicklung der Designmethodik manifestieren wird .

Das 19. und 20. Jahrhundert war geprägt von Experimenten von Künstlern und Designern auf dem Gebiet der Farbwahrnehmung, die sich in der Entwicklung der Methodik des künstlerischen Schaffens widerspiegelten.

Heutzutage wächst das Interesse an der Farbsymbolik aufgrund der zunehmenden Aufmerksamkeit für die semiotischen Probleme sprachlicher Phänomene. Die Semiotik als Wissenschaft der Zeichen und ihrer Systeme interessiert sich zunehmend für die Phänomene des künstlerischen Schaffens, und auch die Arbeit an der Erstellung spezieller Wörterbücher zu Zeichen und Symbolen, die in Wissenschaft und Kunst verwendet werden, wird intensiviert.

Die durchgeführte Untersuchung des Designs und seiner Sprache zeigt, dass der Prozess der Symbolisierung in der Designkreativität auf die Kombination des Kanons abzielt, der sich in der Verwendung spezifischer künstlerischer Techniken zum Aufbau einer Komposition, insbesondere der Farbsymbolik, der Bewahrung kultureller Traditionen und dem Prozess der Modernisierung, die die neuesten Methoden für die Arbeit mit dem Material der künstlerischen Komposition bietet. Es sollte jedoch daran erinnert werden, dass die Grundidee bei der Schaffung gestalterischer Kreativität die Dreifaltigkeit von Schönheit, Nützlichkeit und Notwendigkeit ist, die den unversöhnlichen Kampf zwischen „Alt“ und „Neu“ in der modernen Kunst widerspiegelt und die Techniken der Innovation und Innovation kombiniert. Die Dynamik der Veränderungen in der Designsprache zeugt von der Erneuerung des Systems seiner Ausdruckselemente, doch die Treue des Künstler-Designers zum Prinzip der Symbolik bleibt unerschütterlich.

Designsprache ist somit ein kulturelles Phänomen, sie stellt das Produkt der symbolischen Aktivität der Menschen dar. Künstlerische Bilder, die durch die Designsprache entstehen, enthalten eine besondere Welt von Zeichen und Symbolen. In der Designsprache gibt es ein entwickeltes System symbolischer Bildungen, wobei die Symbolik der Farbe eine besondere Rolle bei der Gestaltung der Bedeutung gestalterischer Kreativität spielt. Die Farbsymbolik spiegelt den Wandel der ideologischen Leitlinien einer bestimmten historischen Epoche wider und verändert das figurative Designsystem.

1. Siehe: Berdichevsky E.G. Innovatives Schmuckdesign // Design. Material. Technologie. 2013. Nr. 13. S. 1-10; Beschastnov N.P. Die künstlerische Sprache des Ornaments. M., 2010. 335 S. ; Kukhta M.S., Pustozerova O.L. Der Einfluss von Schmuckdesign im Ethno-Stil auf die Wahl von Materialien und Technologien // Design. Material. Technologie. 2013. Nr. 12. S. 1-8; Lobatskaya R.M., Sorokina V.E., Generalchenko P.S. Neue Designlösungen für die Schmuckherstellung // Ebenda. 2012. Nr. 12. S. 9-30; Lyashenko V.A. Design als soziokulturelles Phänomen // Bulletin der OSU. 2008. Nr. 9 (91). S. 21-25; Pankina M.V. Entwicklung der Designprinzipien: Kulturanalyse // Bulletin der Staatlichen Akademie für Kultur und Kunst Tscheljabinsk. 2014. Nr. 2 (38). S. 50-55.

2. Osmankina G.Yu. Der Kanon der ägyptischen bildenden Kunst als Synechologie der Kultur // Omsk Scientific Bulletin. 2009. Nr. 4 (79). S. 223-226.

3. Shalimova L.A. Soziokulturelle Kategorien der Farbsymbolik // Welt der Wissenschaft, Kultur, Bildung. 2015. Nr. 1 (50). S. 385-388.

4. Ebd. S. 386.

5. Kim V.V. Semiotik und wissenschaftliches Wissen: Philosophische und methodische Analyse. Jekaterinburg, 2008. 416 S.

6. Bransky V.P. Kunst und Philosophie: Die Rolle der Philosophie bei der Entstehung und Wahrnehmung eines Kunstwerks am Beispiel der Geschichte der Malerei. Kaliningrad, 1999. 704 S.

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Vorlesung 1: Gefühle. Wie Design menschliche Gefühle beeinflusst. Warum denkt ein Designer zuallererst an die Gefühle des Benutzers? (39:26)

Vorlesung 2: Struktur-Chaos. Wie Design in einer Welt des Chaos zum Werkzeug der Ordnung wurde. Wahrnehmung von Strukturen, Eindruck von Chaos. Warum entwirft der Designer Muster, die darauf hinweisen, dass das Objekt zur Ordnung und Logik gehört und daher vernünftig und nahe ist? (42:44)

Vorlesung 3: Funktion. Anpassung an die Umgebung, Arbeitskomfort und Effizienz der Ergebnisse sind die Hauptkriterien für gutes Design. Der Designer denkt darüber nach, wie das Projekt funktionieren wird. Oftmals ist es die Funktionalität, die das Aussehen und die Attraktivität eines Produkts bestimmt. (46:59)

Vorlesung 4: Identität. Wie Design Verbindungen schafft, wie es verschiedene Objekte miteinander verbindet, eine Wahrnehmungsidentität bildet, die im Marketing und Branding so beliebt ist. Der Designer erstellt Regeln, Möglichkeiten zur Organisation von Identifikationssystemen, Einheit des Stils und Integrität visueller Attribute. (39:32)

Vorlesung 5: Versteckt. Was verbirgt sich hinter dem Design? Welche Prozesse und Entscheidungen bleiben außerhalb der Aufmerksamkeit des Verbrauchers? Wie man ein Design betrachtet und die Details wahrnimmt, die Handwerkskunst vom Kunsthandwerk unterscheiden. (1:08:22)

Vorlesung 6.Übungen. (20:01)

Ein Logo ist viel mehr als nur Worte, ein Symbol, eine Farbe. Ein gutes Logo erzählt eine Geschichte über Ihr Unternehmen: wer Sie sind, was Sie tun und wofür Sie stehen.

Ein Logo zu erstellen ist keine leichte Aufgabe: Bei der Entwicklung müssen viele Nuancen berücksichtigt werden. Glücklicherweise müssen Sie dies nicht alleine tun. Mit Hilfe dieser Schritt-für-Schritt-Anleitung gelingt Ihnen das ganz einfach und unkompliziert. Aber genug der Worte, fangen wir an!

Was ist ein Logo und wozu dient es?

Bevor wir aber direkt zu den Empfehlungen übergehen, möchten wir Ihnen gerne einen Online-Dienst von empfehlen Turbologo , das in wenigen Minuten ein Logo für Sie alle erstellen kann. Geben Sie einfach Ihren Firmennamen ein und die Website erstellt einige Logos für Sie!
Kommen wir nun zum Artikel :)

Jeden Tag stoßen wir ständig auf Logos.

Beispielsweise sieht der durchschnittliche US-Bürger 16.000 Anzeigen, Logos und Etiketten pro Tag. Wenn Sie sich umschauen, werden Ihnen wahrscheinlich auch mehrere Dutzend Logos um Sie herum auffallen.

Warum gibt es so viele davon und warum geben viele Unternehmen Tausende, Hunderte oder sogar Millionen Dollar aus, um dieses kleine Element zu schaffen?

Was verstehen wir zunächst einmal unter dem Wort „Logo“?

Ein Logo ist ein Symbol oder Emblem, das verwendet wird
um Dienstleistungen, Produkte und das Unternehmen selbst zu identifizieren.

Wie wähle ich eine Farbe für ein Logo aus?

Farbe, Farbe und noch mehr Farbe! Es ist der erste Berührungspunkt und das einprägsamste Element, sagt Leslie Harrington, Geschäftsführerin von The Color Association.

Bei der Erstellung eines hochwertigen Logos ist es wichtig zu verstehen, wie Farbe die menschliche Wahrnehmung beeinflusst, sagt Martin Christie von Logo Design London.

Farbe kann Ihnen helfen, die richtigen Gefühle zu verstärken und eine starke emotionale Verbindung herzustellen. Verwenden Sie die Infografik (groß), um die gewünschte Farbe für Ihr Logo auszuwählen.

Wie wähle ich die richtige Logofarbe aus?

Um diese Frage zu beantworten, müssen Sie sich drei Fragen stellen:

Welche Farbe unterstreicht die Persönlichkeit Ihrer Marke?
Welche Farben kennzeichnen Ihre Produkte/Dienstleistungen?
Welche Farbe verwendet Ihr Konkurrent?

Die Farben sind nicht an eine bestimmte Branche gebunden, bestimmte Farben eignen sich jedoch für einige Dienstleistungen/Produkte besser als für andere.
Sie sollten darauf achten, eine Farbe zu wählen, die die Persönlichkeit Ihres Unternehmens hervorhebt. Die Farbe sollte bei Kunden, die Ihr Logo zum ersten Mal sehen, den richtigen Eindruck hinterlassen.

Was tun, wenn Sie die Farben Ihrer Konkurrenten herausgefunden haben?

Eine Möglichkeit besteht darin, eine Farbe zu verwenden, die der Farbe des Logos des Hauptkonkurrenten entgegengesetzt ist. Dies wird Ihnen helfen, sich abzuheben. Es lohnt sich jedoch, die Farben Ihrer Branche zu berücksichtigen, damit die Gegenfarbe zur Branche passt. Beispielsweise wirkt die rosa Farbe für das Logo einer Bank oder Anwaltskanzlei unangemessen und lächerlich.

Betrachten Sie die Merkmale der Farbe in verschiedenen Kulturen. Beispielsweise gilt Weiß in der westlichen Welt als Farbe der Reinheit und des Friedens und in einigen asiatischen Ländern als Farbe des Todes.

Eine Farbe oder mehrere?

Um die gewünschten Gefühle und Emotionen möglichst gut zu vermitteln, wird bei der Erstellung eines Logodesigns meist eine Farbe verwendet. Allerdings gibt es viele erfolgreiche Logos mit mehreren Farben – Google, eBay.

Daher können Sie bedenkenlos eine oder mehrere Farben verwenden. Hauptsache, sie passen zusammen! Aber natürlich sollte man es nicht übertreiben und viele Farben verwenden.

Ich empfehle, zwei Primärfarben zu wählen. Dies erleichtert Ihrer Marke die Kommunikation mit Ihren Kunden. Viele Unternehmen, von Sportmannschaften bis hin zu Konzernen, verwenden seit vielen Jahren nur zwei Farben.

– Pamela Wilson.

Wie wähle ich mehrere Farben für ein Logo aus?

Der einfachste Weg, die richtigen Farben für Ihr Logo auszuwählen, ist die Verwendung von Farbschemata.
Es gibt viele Online-Dienste, um tolle Farbschemata zu finden. In diesem finden Sie mehrere.

Zum Beispiel Adobe Kuler oder der russischsprachige Dienst Colorscheme.

Designer verwenden häufig die 60-30-10-Formel. Es besteht aus der Auswahl von 3 verschiedenen Farben und deren Verwendung in einem Verhältnis von 60 %, 30 % und 10 %. Diese Regel bietet eine einfache Möglichkeit, ein professionelles Farbschema für Ihre Marke zu erstellen.

– Jared Christofferson, Goldammer

Wo finden Sie Logo-Inspiration?

Es ist oft sehr schwierig, den ersten Schritt zu tun, wenn wir es mit etwas Unbekanntem zu tun haben. Zum Beispiel bei der Erstellung von Logos. Sie können einen Tag oder sogar eine Woche damit verbringen, über Logo-Zeichnungen nachzudenken und diese anzufertigen, was sehr anstrengend ist.

Glücklicherweise gibt es eine gute Möglichkeit, die Benommenheit so schnell wie möglich loszuwerden und den ersten Schritt weniger schmerzhaft zu machen. Lassen Sie sich beispielsweise von den Arbeiten anderer Logos und Designer inspirieren.
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Logospire ist eine Logo-Galerie. Der Hauptunterschied zwischen dieser Website und anderen besteht jedoch darin, dass Sie die besten Designer-Logos sehen können. Die Seite verfügt über ein Bewertungssystem und jeden Monat wird eine Liste der besten Logos zusammengestellt.

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Hier sind die besten Logos im Internet.

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Eine weitere Logo-Galerie, die regelmäßig mit neuen Werken aktualisiert wird. Die Website verfügt über eine praktische Suche nach Tags, sodass es sehr bequem ist, ein Logo zum gewünschten Thema zu finden.

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Fehler beim Erstellen eines Logos

Um ein wirklich gutes Logo zu erstellen, müssen Sie bestimmte Fehler vermeiden.
Nachfolgend haben wir die beliebtesten davon zusammengestellt.

Fehler 1: Verwendung einer Bitmap

Die Verwendung von Rasterbildern in Logos wird nicht empfohlen, da dies zu Problemen bei der Reproduktion des Logos führen kann. Wenn Sie ein Bitmap-Bild zu stark vergrößern, erscheint es gekachelt und ist somit unbrauchbar.

Daher ist es bei der Entwicklung eines Logos üblich, Programme zu verwenden, die mit Vektorgrafiken arbeiten – Adobe Illustrator oder Corel Draw. Vektorgrafiken bestehen aus Punkten, die mit mathematischer Präzision berechnet wurden und so unabhängig von der Größe des Bildes ein einheitliches visuelles Erlebnis gewährleisten.

Basic Vorteile der Verwendung von Vektoren Grafiken bei der Entwicklung eines Logo-Designs:

1. Das Logo kann ohne Qualitätsverlust auf jede beliebige Größe skaliert werden.
2. Die nachträgliche Bearbeitung des Logos wird erheblich erleichtert.
3. Ein Vektorbild lässt sich leichter an andere Medien anpassen als ein Rasterbild.

Fehler 2: Trends folgen

Trends kommen und gehen. Irgendwann werden sie zu Klischees. Ein gut gestaltetes Logo sollte langlebig sein. Dies kann erreicht werden, wenn Sie sich nicht auf neumodische Tricks und Techniken verlassen.

Um eine einzigartige Identität für Ihr Unternehmen zu schaffen, ist es am besten, Logo-Trends völlig zu ignorieren.

Logo Online Pros verfügt über einen riesigen Bereich, in dem jährlich aktuelle Logo-Design-Trends aktualisiert werden. Es ist wichtig, dass Sie sich über die neuesten Modeerscheinungen im Klaren sind und diese unbedingt meiden. – Smashingmagazine

Fehler 3: Überkomplexität

Ein Bild, das zu viele Details enthält, wird im Druck oder in einer kleineren Version nicht gut wahrgenommen.
Details eines komplexen Designs gehen verloren und in manchen Fällen sieht es unordentlich aus oder, schlimmer noch, wird nicht richtig wahrgenommen.

Beispielsweise ist das Fingerabdruckmuster auf dem fiktiven Smashing-Logo nur bei sehr genauem Hinsehen zu erkennen. Beim Verkleinern gehen Details verloren.

Schauen Sie sich die Firmenlogos von Nike, McDonald's und Apple an. Jedes dieser Unternehmen hat ein sehr einfaches Image, das sich problemlos in jeder Größe reproduzieren lässt.

Fehler 4: Abhängigkeit von Farbeffekten

Ohne Farbe kann Ihr großartiges Logo seine Identität verlieren. Rechts?

Nein! Dies ist ein sehr häufiger Fehler. Designer können es kaum erwarten, ein paar ihrer Lieblingsfarben hinzuzufügen, viele verlassen sich sogar ganz darauf.

Die Wahl einer Farbe sollte Ihre letzte Entscheidung sein, daher ist es am besten, mit der Gestaltung in Schwarzweiß zu beginnen.

Fehler 5: Schlechte Schriftartenwahl

Wenn es um die Erstellung eines Logos geht, ist die Wahl der richtigen Schriftart die wichtigste Entscheidung, die Sie treffen werden. Aufgrund der schlechten Wahl der Schriftart scheitert das Logo am häufigsten (unser Beispiel zeigt die berüchtigte Comic Sans).

Bei der Auswahl der perfekten Schriftart für Ihr Logo geht es vor allem darum, die Schriftart an den Stil des Bildes anzupassen. Aber hier kann es Tricks geben. Wenn die Übereinstimmung zu groß ist, konkurrieren Bild und Schriftart um die Aufmerksamkeit des Betrachters. Wenn es umgekehrt ist, versteht der Betrachter nicht, worauf er sich konzentrieren soll. Die Hauptsache ist, die richtige Balance zu finden.
Die gesamte Markenbotschaft geht ins Wanken, wenn die gewählte Schriftart nicht die Eigenschaften des Bildes widerspiegelt.

Fehler 6. Ein Logo für sich selbst entwerfen, nicht für Kunden

Beim Erstellen eines Logos besteht häufig der Wunsch, Ihre Lieblingsschriftart, -farbe usw. zu verwenden. TU das nicht!

Fragen Sie sich: Ist diese Schriftart und Farbe wirklich für mein Unternehmen geeignet?

Beispielsweise ist die wunderschöne moderne Typografie-Schriftart, die Sie lieben, möglicherweise nicht für einen seriösen Kunden wie eine Anwaltskanzlei geeignet.

Fehler 7: Typografisches Chaos

Typografie kann über den Erfolg oder Misserfolg eines Logos entscheiden. Daher ist es wichtig, die Grundlagen der Typografie zu kennen. Das Logo sollte möglichst schlicht bleiben, gleichzeitig aber die gewünschte Botschaft vermitteln. Um dies zu erreichen, müssen Sie alle typografischen Aspekte des Designs berücksichtigen.

Verwenden Sie nicht zu viele Schriftarten oder -stärken (maximal zwei). Verwenden Sie keine Schriftarten, die vorhersehbar, prätentiös oder zu dünn sind. Achten Sie besonders auf Kerning, Abstand und Größe. Stellen Sie vor allem sicher, dass Sie die richtige(n) Schriftart(en) für das Projekt auswählen.

Fehler 8: Ein Monogramm erstellen

Einer der häufigsten Fehler, den nicht professionelle Logodesigner machen, ist der Versuch, aus den Anfangsbuchstaben eines Firmennamens ein Monogramm zu erstellen (z. B. B&H für Bob's Hardware). Obwohl es auf den ersten Blick kreativ aussieht, ist es schwierig, mit Firmeninitialen zu überzeugen oder die gewünschte Botschaft zu vermitteln. Sie können es auf jeden Fall versuchen, aber hören Sie nicht damit auf, wenn es andere Optionen für die Logogestaltung gibt.

Versuchen Sie auch, den Namen des Unternehmens nicht in eine Abkürzung umzuwandeln, wenn dieser nicht allgemein gebräuchlich ist und dies nicht den gesetzten Zielen entspricht.

HP, FedEx, IBM und GM haben nicht mit Akronymen begonnen; Viele Jahre später erlangten sie einen erstklassigen Ruf.

Fehler 9: Visuelle Klischees verwenden

Eine Glühbirne als Symbol einer Idee, eine Blase mit Text – Diskussion, Striche – Dynamik usw. Dies sind die ersten Ideen, die einem beim Brainstorming in den Sinn kommen, und aus dem gleichen Grund werden sie auch als erste aufgegeben.

Wie kann Ihr Design einzigartig sein, wenn viele andere Logos die gleiche Idee haben? Vermeiden Sie visuelle Klischees und lassen Sie sich eine originelle Idee und Gestaltung einfallen.

Fehler 10. Ein Design kopieren, stehlen oder ausleihen

Es ist traurig, das sagen zu müssen, aber diese Praxis ist heutzutage weit verbreitet. Ein Logodesigner sieht eine Idee, die ihm gefällt, optimiert sie ein wenig, ändert die Farben oder Wörter und macht die Idee zu seiner eigenen. Es ist unethisch, illegal, dumm und früher oder später wird man erwischt.

So erstellen Sie ein Logo – Schritt-für-Schritt-Anleitung

Wir haben bereits fast alles behandelt, was Sie über die Erstellung eines Logos wissen müssen.

Jetzt müssen nur noch die erhaltenen Informationen geklärt werden.

Werfen Sie noch einmal einen Blick auf:

Schritt 1: Erstellen Sie mehrere Entwürfe

In den frühen Phasen des Logo-Designs haben Sie möglicherweise mehrere Ideen, die Sie im Logo zum Ausdruck bringen möchten. Sie sollten sie nicht vernachlässigen, es ist besser, sie aufzuschreiben; vielleicht werden Ihnen einige davon bei der Erstellung der endgültigen Version des Logos nützlich sein.

Schritt 2: Skizzieren Sie Ihr Logo-Design

Das Skizzieren ist eine schnelle und einfache Möglichkeit, Ideen zu Papier zu bringen, wo Sie sie leichter bewerten können.
Skizzen nicht löschen oder wegwerfen. Design ist kein linearer Prozess. Alle Ideen können wertvoll sein, auch wenn Sie das nicht sofort glauben.


Wenn Sie nicht zeichnen können, machen Sie sich keine Sorgen. Sie können versuchen, Ihr Logo mithilfe von Screenshots zu skizzieren. Besuchen Sie die Websites mehrerer Online-Generatoren, Symbolgalerien usw. Versuchen Sie, die richtigen Bilder zu finden, die Ihnen gefallen, und speichern Sie sie. Anschließend können Sie daraus Ihr einzigartiges Logo erstellen.

Schritt 3: Wählen Sie Logo-Erstellungstools

Sie können ein Logo erstellen mit:

– Grafikprogramme – Adobe Illustrator, Inkscape, Photoshop;
– Plattformen zum Bestellen von Logos – 99Designs:
– Online-Dienste und Designer – , Turbologo . Sehr nützlicher Service, ich empfehle ihn!

Wenn Sie mit Grafikprogrammen vertraut sind, zögern Sie nicht, sie zum Erstellen Ihres Logos zu verwenden.
Aber Sie sollten Online-Dienste nicht vernachlässigen. Sie können genutzt werden, um Inspiration zu finden oder Ideen zu testen.

Schritt 4: Erstellen Sie ein Logo

Schritt 5. Testen Sie das Logo

Sie haben ein Logo erstellt und sind zu dem Schluss gekommen, dass es perfekt ist? Vielleicht ist dies nicht der Fall. Es ist effektiver, das Logo Kollegen, Freunden und einigen Kunden zu zeigen und Feedback einzuholen. Stellen Sie ihnen ein paar Fragen: Was halten sie von dem Logo, gefällt es ihnen? Wenn die Antworten zu Ihnen passen, haben Sie alles richtig gemacht.
Seien Sie jedoch vorsichtig mit Bewertungen von Freunden und Verwandten. Wenn es sich nicht um professionelle Designer handelt, sind ihre Ratschläge für Sie möglicherweise nicht ganz nützlich oder sogar falsch.

Schritt 6: Überprüfen Sie die Skalierbarkeit Ihres Logos

Überprüfen Sie das Logobild in verschiedenen Versionen – in Zeitungsanzeigen, auf einer Visitenkarte, auf Ihrer Website. Das Logo sollte gut aussehen, egal ob es im großen oder kleinen Format reproduziert wird.

Einige Hinweise:
– Wenn das Logo viele Details oder dünne Linien aufweist, sieht das Logo bei kleinen Größen möglicherweise zu wählerisch aus.
– Wenn ein Logo für eine Visitenkarte oder eine Website erstellt wird, sieht es in großen Größen meist unschön aus.
– Verwenden Sie Grafikprogramme wie Adobe Illustrator oder Inkscape, damit können Sie die Skalierbarkeit Ihres Logos überprüfen.

Schritt 7: Erstellen Sie mehrere Logoformate

Möglicherweise haben Sie Ihr Logo von Anfang an in einem Grafikprogramm wie Adobe Illustrator erstellt. Ist dies nicht der Fall, müssen Sie die Logoskizze vom Papier in die elektronische Form übertragen.

Einige Hinweise:
– Speichern Sie das Logo nicht nur im .
Letzteres ermöglicht Ihnen eine einfache Skalierung Ihres Logos ohne Qualitätsverlust. Wenn Sie bereits ein Logo im Rasterformat haben, können Sie es mit vectormagic.com in ein Vektorformat konvertieren.
– Verwenden Sie das Logo im PNG-, JPEG-Format für das Internet und im PDF, EPS, SVG zum Drucken.
– Speichern Sie die Logo-Version in Schwarzweiß, um das Logo beispielsweise auf Taschen, Stifte oder Schreibwaren zu drucken.

Schritt 8: Fahren Sie fort, Feedback einzuholen

Auch nachdem Sie ein Logo erstellt haben, müssen Sie offen für Feedback bleiben. Nutzen Sie verschiedene Tools wie soziale Medien, Kundenkommentare und Expertenmeinungen, um sicherzustellen, dass Ihr Logo perfekt aussieht.

Schritt 9. Neugestaltung

Nichts hält ewig und ein Logo ist da keine Ausnahme. Wenn Ihr Logo mit der Zeit nicht mehr relevant ist, ist es besser, es neu zu zeichnen. Es lohnt sich, kleine Änderungen vorzunehmen und Platz für die Schlüsselidee im Logo zu lassen, da radikale Änderungen wahrscheinlich nicht angebracht sind.

Ist Ihr Logo wirklich toll? [Checkliste]

Und so haben Sie wahrscheinlich bereits ein Logo erstellt. Glückwunsch!

Aber ist er wirklich gut? Wird es in verschiedenen Größen großartig aussehen? Lassen Sie uns die Wirksamkeit Ihres Logos anhand unserer Checkliste überprüfen.
Gehen Sie jede Frage durch und antworten Sie mit „Ja“ oder „Nein“.

1. Das Logo sieht für mindestens drei Personen attraktiv aus
2. Das Logo sieht in Schwarzweiß gut aus
3. Das Logo ist in einer auf dem Kopf stehenden Position erkennbar (Ansicht)
4. Das Logo ist erkennbar, wenn seine Größe geändert wird
5. Keine komplizierten Teile
6. Das Logo ist optisch ausgewogen – Symbol, Schriftart und Farbe wirken harmonisch zusammen
7. Verwenden Sie nicht zu viele Schriftarten, Farben und Effekte
8. Das Logo fällt unter anderen Logos auf

Wie wir bereits geschrieben haben, ist es sehr wichtig, sich von anderen Unternehmen, insbesondere der Konkurrenz, abzuheben.
Sammeln Sie die Logos Ihrer Konkurrenten und platzieren Sie Ihr Logo irgendwo dazwischen.
Ist es auffällig? Im Vergleich zu anderen auffällig? Wenn ja, ist alles super!

9. Das Logo ist adaptiv

Anpassungsfähigkeit bedeutet, dass das Logo auf jedem Objekt oder jeder Oberfläche gut aussieht – einem T-Shirt, einer Website, einem Verkehrsschild usw.

10. Das Logo ist einprägsam

Zeigen Sie Ihr Logo Ihren Freunden oder anderen und bitten Sie sie, in ein paar Stunden oder Tagen ein Bild davon zu zeichnen. Wenn er Ihr Logo ungefähr und genau skizzieren kann, ist alles in Ordnung und Ihr Logo wird im Gedächtnis bleiben.

11. Universelles Logo

Die Universalität eines Logos bedeutet, dass es von einem breiten Spektrum von Menschen gleich wahrgenommen wird. Alle Menschen sind unterschiedlich und die Hauptsache ist, dass das Logo für alle Betrachter eine einzige Bedeutung behält.

12. Das Logo ist gut lesbar

Stellen Sie sich vor, dass Ihr Logo auf einem Banner platziert ist und Sie ein Auto mit einer Geschwindigkeit von 70–80 km/h fahren. Konnten Sie den Text Ihres Logos lesen? Wenn ja, ist alles in Ordnung. Wenn nicht, könnte es sich lohnen, an den Schriftarten zu arbeiten.

13. Gibt es Vektor-Logo-Formate?

Es ist sehr wichtig, Logodateien im Vektorformat (AI, EPS, SVG, PDF) zu haben. Auf diese Weise können Sie Ihr Logo in jedem Maßstab ohne Qualitätsverlust drucken und bearbeiten. Erstellen Sie beispielsweise ein Logo in einer anderen Farbe.

Wir hoffen, dass unsere Tipps für Sie hilfreich sind und Sie ein tolles Logo erstellen!

Hallo zusammen!

In Erwartung der bevorstehenden Veröffentlichung unseres neuen Trainings „40-Tage-Identitätsschule“ Ich mache Sie auf einen Artikel des Autors und Moderators des kommenden Kurses aufmerksam.

Alexey Romashin:

Ich beschäftige mich seit mehr als 20 Jahren mit Unternehmensstilen, ich habe mehr als hundert davon entwickelt, von denen einige zu „Klassikern“ geworden sind.

Meine Zeichen und Logos sind in verschiedene russische und europäische Annalen eingegangen, aber darum geht es nicht... Der Punkt ist, dass ich parallel zur Designarbeit die Grundlagen des Grafikdesigns unterrichte und mit Schwerpunkt auf unterrichte Identität. Warum sollte man sich darauf konzentrieren und nicht auf Typografie, ein Poster oder, sagen wir, Kalligraphie?

Aus zwei Gründen. Die erste, banale Frage ist die Monetarisierung von Fähigkeiten, weil Identität Heute ist es die gefragteste Marktspezialisierung für Grafikdesign.

Der zweite Grund liegt tiefer. Tatsache ist, dass die Identität das Hauptgen des Berufs enthält, die Fähigkeit, ein Zeichensymbol zu extrahieren, die Fähigkeit, eine in Worten ausgedrückte Botschaft verbal in eine bildliche Sprache zu übersetzen.

Warum ist diese Fähigkeit für den modernen Designer so wichtig? Aber weil die Mission eines Grafikdesigners in erster Linie das „Verpacken“ ist und Übermittlung von Informationen, keine Oberflächendekoration.

Im Allgemeinen handelt es sich nach dem modernen Modell des Berufsstandes bei allem, was ein Designer produziert, um Zeichen oder „visuelle Texte“. Die Sprache der Zeichen ist die Sprache der Kultur des postindustriellen Zeitalters, also unserer. Es wird von Kino, Theater, Literatur und Mode verwendet, ganz zu schweigen von Disziplinen, in denen die Übertragung von Informationen im Vordergrund steht, beispielsweise im Internet.

Abgesehen davon, dass ein Zeichen ein Mittel zur Übermittlung von Informationen ist, ist es auch ein Mittel zur Herstellung einer kontinuierlichen Verbindung, „Verbindung mit der Marke“, ein Mittel zur Aufrechterhaltung der Kontinuität der Kommunikation zwischen dem Hersteller und dem Verbraucher, durch die die Die Beteiligung des Verbrauchers an einer bestimmten Marke, an einem bestimmten Modell ist der aktualisierte Verbrauch. Die vielen Zeichen, die uns umgeben, bilden eine neue Parallelwirklichkeit – eine symbolische Sphäre namens Zeichenkugel.

Ich erlaube mir den zynischen Gedanken, dass in der Konsumgesellschaft, in der wir leben, der Durchschnittsmensch die Summe der Marken ist, die er mag. Und an der Spitze dieser ganzen Wertepyramide ragt ein Schild hervor, wie ein Stern an der Spitze eines Weihnachtsbaums.

Eine kleine Geschichte

Die Geschichte des Schildes ist uralt und mit Moos bedeckt. Ich werde Ihnen nicht die Legenden über sumerische Viehzüchter erzählen, die ihre Kühe bereits im 4. Jahrtausend v. Chr. Mit individuellen Zeichen versehen haben. e. – Das hat nichts mit uns zu tun.

Aber die Tatsache, dass bereits im 16. Jahrhundert in Europa staatliche Stellen entstanden, um die von verschiedenen Handwerkszünften verwendeten Marken zu registrieren und zu schützen, ist näher am Thema.

Später, während der Industriellen Revolution des 18.-19. Jahrhunderts, begannen sich Zeichen von einem einfachen Identifikator zu Trägern von Werten, vor allem von Unternehmenswerten, zu entwickeln, das heißt, sie begannen, sich von einem bloßen Zeiger zu einem Kommunikationsobjekt zu entwickeln.

Die Identität des 19. Jahrhunderts zeichnete sich durch eine erhöhte Dekorativität und Symbolik aus, die für den modernen Betrachter manchmal unverständlich war. Der dekorative Charakter war ihnen vor allem deshalb innewohnend, weil eine ihrer wichtigen Aufgaben darin bestand, das Produkt zu dekorieren, auf dem Zeichen oder Logos angebracht waren.

Die Identität des 19. Jahrhunderts war voller Bilder
mythologische Tiere - Chimären, Greifen, Einhörner. Seine konzentrierte Symbolik ist meiner Meinung nach vor allem darauf zurückzuführen, dass sich die damaligen „Designer“ von der Heraldik inspirieren ließen – der Wissenschaft des Zusammenstellens, Beschreibens und Entzifferns von Wappen.

Es wird angenommen, dass eines der ersten nicht heraldischen Markenzeichen das Bild eines Hundes namens Nipper war, der einem Grammophon-Phonographen lauscht. Diese Tatsache wird von der folgenden Geschichte begleitet:

Der Besitzer des Hundes, Marc Barrot, starb 1887 und hinterließ den Hund seinen Brüdern Francis und Philip. Den Brüdern fiel auf, wie aufmerksam Nipper dem Grammophon zuhörte. Es gibt eine Version, dass er auf die Stimme seines verstorbenen Meisters hörte. Von dieser Szene berührt, malte Bruder Francis ein Gemälde mit dem Titel „Ein Hund, der einem Phonographen lauscht“ und schmückte damit die Wohnzimmerwand.

Anschließend wurde das Gemälde gespendet und schmückte das Büro der Gramophone Company. Als der Bedarf an Branding-Produkten – Schallplatten – entstand, entschied man sich aus Mangel an Ideen für die Verwendung dieses besonderen Bildes. In stark stilisierter Form wird es übrigens auch heute noch verwendet.

In den 20er Jahren stimuliert das schnelle Wachstum der Industrie die Identitätsentwicklung. Zum ersten Mal erfüllt ein Zeichen nicht mehr die Funktion, einen Gegenstand zu schmücken, sondern wird zum Element Kommunikation. Die Schilder verlieren ihre gesteigerte dekorative Wirkung, werden vereinfacht und tendieren zu einer verallgemeinerten Punktlösung.

Die endgültige Identitätsbildung als eigenständige Designdisziplin erfolgte unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg. Europa entwickelte sich schnell, absorbierte amerikanische Investitionen und baute es wieder auf. Der Markt brauchte viel „schnelles und kostengünstiges Design“.

Ein internationaler typografischer Stil, der seinen Ursprung in der Schweiz in den 1950er und 60er Jahren hat. war der erste, der auf die Anforderungen des globalen Marktes reagierte. Die charakteristischen Merkmale der Schweizer Schule waren der Minimalismus der künstlerischen Mittel, das Raster, die Verwendung grotesker Schriftarten, vor allem Helvetica, und eine tiefe Symbolik.

In den 60er und 70er Jahren begannen „Spritzer der Schweizer Designschule über den Eisernen Vorhang zu fliegen“. Vor allem dank der Monographie von Joseph Müller-Brockmann „Modulare Systeme im Grafikdesign. Ein Handbuch für Grafiker und Typografen“, das in die UdSSR geschmuggelt und von Designbegeisterten ins Russische übersetzt wurde.

Seitdem sind die Methode des Schweizer Minimalismus und der sinnvolle Einsatz seiner Techniken zum Synonym für Exzellenz im Beruf sowjetischer und postsowjetischer Grafikdesigner geworden.

Machen Sie eine kurze Pause von diesem Text, schließen Sie die Augen und versuchen Sie, sich daran zu erinnern, wie die Zeichen aussehen, die Sie kennen. Woran haben Sie sich zuerst erinnert? Apple, Mercedes, Peugeot, Burberry, Coca-Cola, McDonald's, Vereinigtes Russland, Kamel?

Stimmen Sie zu, Markenbilder sind fest in unserem Gedächtnis verankert, obwohl wir uns keine Mühe gegeben haben, sie uns zu merken. Wir sind vielleicht nicht in der Lage, sie zu zeichnen, aber wir erinnern uns bis ins kleinste Detail und sogar in Farbe an sie.

Es gibt ein ganzes Arsenal professioneller Techniken, wie wir das Zeichen in unser Bewusstsein „einschrauben“ und dort lange bleiben können. Um den Effekt der Einprägsamkeit und Wiedererkennung zu erzielen, nutzen Profis unterschiedliche Techniken. Bedeutungen. Jetzt ist ein neues Wort aufgetaucht, und nicht jeder versteht es.

„Bedeutung“ ist der Prozess der Übersetzung relevanter Informationen, Bedeutung, in eine bestimmte Zeichenform.

Ich werde in den folgenden Beiträgen auf jeden Fall über die Methoden und Algorithmen der Bedeutung sprechen, möchte aber zunächst mit der Typologie des Zeichens abschließen.

Typologie des Zeichens

Klassisches oder Schriftzeichen erschien Mitte des 19. Jahrhunderts in der britischen Druckkunst. Die Grundlage eines eindeutigen Zeichens war eine Schriftart. Beim Erstellen eines solchen Zeichens werden einzelne Buchstaben der ursprünglich erstellten Schriftart manuell gezeichnet; diese Technologie wird auch heute noch als Lettering bezeichnet.

Charakterzeichen erschien zu Beginn des 18. Jahrhunderts in Holland, als die Produktion von Zwiebelpflanzen einen Boom erlebte und jeder Bauer seine Produkte mit einem Bild der Blume kennzeichnete, auf die er sich spezialisiert hatte.

Derzeit gibt es zwei Arten symbolischer Zeichen – konkrete und abstrakte Typen. Symbolische Zeichen können entweder auf einem realen Bild von jemandem oder etwas basieren oder völlig abstrakt sein und sich nicht auf ein bestimmtes Bild, Objekt oder Lebewesen beziehen.

Je nach Abstraktionsgrad werden sie in Zeichen konkreter und abstrakter Art unterteilt. Beispiel: Das Lacoste-Krokodil ist konkret und der Nike-Säbel ist abstrakt.

Synthetisches Zeichen erschien zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland und ist mit dem Wachstum der Produktion militärischer Ausrüstung verbunden. Es wird vermutet, dass man in Deutschland erstmals damit begann, Buchstaben und Symbole in einem Logo zu kombinieren. Dies ist in der Designpraxis die gebräuchlichste Art, ein Logo zu gestalten. Das Bild verschmilzt mit dem Logo und bildet mit ihm eine untrennbare Komposition.

Bildung in Identität

Ein Zeichen ist in erster Linie eine Form. Wir beurteilen zunächst die Form, nach einiger Zeit vertiefen wir uns in den Inhalt des Zeichens. Aus gestaltungstechnischer Sicht und nach der Klassifikation von Professor S.I. Serov-Zeichen sind:

• Planar, nicht seziert
• Linearer Gleichdruck
• Linearer Mehrdruck
• Pseudo-Volumen

Warum braucht ein Designer all diese anspruchsvollen Klassifizierungen? Höchstwahrscheinlich besteht jedoch keine Notwendigkeit ...

Um den Schülern Informationen in möglichst verständlicher Form zu vermitteln, habe ich kürzlich eine einfache Tabelle erstellt, in der die Zeichentypen entlang der „X“-Achse angeordnet sind – Schriftart, symbolisch, synthetisch, und entlang der „Y“-Achse die Methoden ihrer Entstehung - planar, linear, Pseudovolumen usw.

Alle über die Jahre gesammelten „Qualitäts“-Zeichen aus meiner Sammlung, die zu verschiedenen Zeiten und Schulen gehören, passen also absolut in diese Tabelle; sie könnten durch eine Kombination von drei Typen und vier Bildungsmethoden beschrieben werden.

Eine bestimmte Anzahl von Zeichen, die ich in meiner „seltsamen“ Mappe aufbewahrte, als Beispiele extravaganter postmoderner Experimente, die der Analyse und dem Verständnis unterlagen, waren in dieser Tabelle nicht enthalten, sie konnten nicht durch die oben genannten Merkmale beschrieben werden, sie fielen in die Spalte „Zone des kreativen Experiments“.

Nach Abschluss des Verfahrens kam ich zu dem Schluss, dass die „seltsamen“ Schilder aus meiner Sammlung höchstwahrscheinlich keine Marketingzeichen sind, und warf sie erleichtert als unnötig in den Müll.

Bitte verdächtigen Sie mich nicht der Heuchelei und der mangelnden Toleranz gegenüber dem Neuen und Experimentellen. Marketing, nichts Persönliches.

In den folgenden Beiträgen werde ich über Bedeutungsmethoden, die inhaltliche Seite der Identität, wie man eine Botschaft entschlüsselt, wie man ein Schild „intelligent“ macht und wo man Inspiration und Vitalität dafür bekommt, sprechen.

Ich wünsche Ihnen kreativen Erfolg!